Diseñadoras pioneras en América Latina

“Hay diseño en todo”, escribió Clara Porset. En su opinión, la artesanía y la industria podían inspirarse entre sí, pero no todos sus colegas estaban de acuerdo con ella. La exposición Construyendo modernidad: El diseño en América Latina, 1940–1980 presenta estas, a veces contradictorias, visiones de la modernidad propuestas por diseñadores de interiores en Argentina, Brasil, Chile, Colombia, México y Venezuela entre 1940 y 1980. Aquí, una de las curadoras de la exposición destaca a 10 diseñadoras y artistas que deben conocerse, cuyo trabajo radical, ya sean sillas o cerámicas, edificios o alfombras, revolucionó la forma en que experimentamos el diseño en nuestras vidas.

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Clara Porset (Mexicana, nacida en Cuba. 1895–1981)

Porset nació en Matanzas, Cuba, en 1895. Pasó importantes períodos de su vida en México, lo que le permitió convertirse en una referente fundamental del diseño mexicano actual. En su artículo de 1949 “¿Qué es diseño?”, publicado en la popular revista Arquitectura México, articuló un lema para su campo. Su visión era amplia. Veía diseño “en una nube, en una huella dactilar, en la arena o en el mar, puesto en movimiento por el viento. También presente en una silla, un vaso, un tejido. Puede ser natural o artificial, pero hay diseño en todo lo que percibimos”. Porset vio el butaque como una tipología regional, modificándolo para interiores modernos. El término butaque se refiere a una silla baja y curva con estructura de madera y asiento tradicionalmente hecho de piel de animal; se pueden encontrar diferentes versiones en América Latina. Surgió por primera vez en Venezuela en el siglo XVI y toma prestados elementos de las sillas precolombinas conocidas como duhos, así como de las sillas plegables en forma de X que los colonizadores españoles trajeron a las Américas. Porset veía el butaque como un reflejo de la compleja identidad cultural de México. En su icónico diseño, experimentó con dimensiones, materiales y ajustes ergonómicos para adaptar la silla al confort y los interiores modernos.

Lina Bo Bardi (Brasileña, nacida en Italia. 1914–1992)

Lina Bo Bardi es una de las diseñadoras más influyentes del siglo XX. Formada como arquitecta en Italia, se mudó a Brasil en 1946, con su esposo Pietro Maria Bardi. La Casa de Vidro (en portugués), terminada en 1951, y donde vivió durante 40 años, está ubicada en un sitio inclinado en Morumbi, un barrio montañoso en el suroeste de São Paulo. El diseño de Bo Bardi utiliza vidrio, concreto y pilotes, que elevan la parte principal de la estructura. Las ventanas de vidrio van del piso al techo y brindan vistas de los árboles circundantes, encarnando el compromiso de Bo Bardi de armonizar la arquitectura con el medio ambiente. Seis años después, diseñó el Museu de Arte de São Paulo (MASP).

Para la silla Tripé de Ferro, Bo Bardi priorizó la adaptabilidad y la comodidad del modelo sobre una forma fija y rígida. Su silla de acero y cuero, que cuenta con tres patas y un asiento estilo hamaca, encarna la simplicidad y el ocio. En el número inaugural de Habitat, una revista de arte y arquitectura cofundada por Bo Bardi en 1950, escribió: “A bordo de los botes fluviales [gaiolas] que surcan los ríos del norte, la hamaca es, como en todas partes del país, tanto una cama como un asiento. Su perfecta adherencia a la forma del cuerpo, su movimiento ondulante, la convierten en uno de los instrumentos de reposo más perfectos”.

Cynthia Sargent (Mexicana, nacida en Estados Unidos. 1922–2006)

Cynthia Sargent, diseñadora textil de mediados del siglo XX nació en Cambridge, Massachusetts, en 1922. Estudió con Robert Motherwell, Meyer Schapiro y Joseph Albers antes de mudarse a México a principios de la década de 1950 con su esposo el arquitecto Wendell Riggs. A través de sus textiles, Sargent respaldó la creación artesanal, cofundó Riggs-Sargent e introdujo exitosas líneas de telas estampadas y tejidas a mano. Sargent afirmó que diseñar alfombras y tapices era un ejercicio pictórico, ya que estaba interesada en contraponer colores y formas. Esto se reflejó en su conocida Línea Musical, alfombras coloridas de gran formato tituladas en honor a compositores famosos (“Mozart”, “Bartok”, “Hindemith”, “Scarlatti”, “Poulenc” y “Villa-Lobos”), en las que usó el término “geométrico asimétrico” para representar las notas y la progresión audible de las composiciones musicales clásicas.

Colette Boccara (Argentina, nacida en París. 1921–2006)

Colette Boccara fue una de las solo seis mujeres que se graduaron de la escuela de arquitectura de la Universidad de Buenos Aires en 1945. Más tarde se mudó a Mendoza con su entonces esposo, César Jannello (cuya obra también se encuentra en la colección del MoMA), enseñando cerámica en la Universidad Nacional de Cuyo. En 1957, Boccara fundó su propia empresa de cerámica, Colbo. Sus primeras vajillas, hechas de arcilla roja andina con interiores vidriados en blanco, se caracterizaron por formas sensuales y orgánicas. En la década de 1970, la línea de productos de Colbo se expandió para incluir azulejos y artículos serigrafiados personalizados.

Gego (Gertrud Goldschmidt) (Venezolana, nacida en Alemania. 1912–1994)

Formada como arquitecta e ingeniera en Alemania, Gego emigró a Venezuela en 1939 para escapar de la persecución nazi. Durante la década de 1940, Gego estableció un taller que fabricaba muebles y alfombras, entre otros artículos. Examinó sistemáticamente la interacción entre la línea, el espacio y el volumen en su práctica visual, incluso en esculturas cinéticas. La alfombra Loma Verde de Gego, que lleva el nombre de un edificio de condominios de 1965 en Caracas diseñado por el arquitecto venezolano Jimmy Alcock, presenta un llamativo fondo negro adornado con líneas abstractas en blanco y marrón. Estas líneas forman paralelos dentro de la composición que, contrastados con la textura del tejido, crean una experiencia visual dinámica.

Olga de Amaral (Colombiana, 1932– )

Formada en el arte de la fibra, Olga de Amaral difumina la distinción entre arte, diseño y artesanía en sus tapices abstractos. En su trabajo combina crin, lana, lino, algodón y metales preciosos, principalmente hoja de oro, mezclando influencias del modernismo, las tradiciones artesanales colombianas y el arte precolombino. Inicialmente estudió dibujo arquitectónico en Colombia antes de continuar su educación en la Academia de Arte Cranbrook, en Michigan. Su obra, Cuatro Paisajes, un tapiz táctil tridimensional de lana y crin de caballo en tonos tierra, representa el paisaje colombiano. Para de Amaral, “el paisaje no es más que una extensión del tejido, un manto que cubre la tierra”.

Seka Severin de Tudja (Venezolana, nacida en Yugoslavia. 1923–2007)

“Hago cerámica y quiero ponerla en su lugar. Mi búsqueda no es la de un escultor porque busco textura, color y forma”, dijo una vez Seka Severin de Tudja. La artista estudió escultura en la Academia de Bellas Artes de Zagreb, Croacia, antes de mudarse a París y eventualmente a Caracas, donde estableció un taller de cerámica. Inicialmente se centró en objetos domésticos útiles, incluidos muebles, elaborados con loza vidriada a fuego lento. Seka experimentó con varios esmaltes y texturas, además de incorporar en su trabajo arte popular y motivos precolombinos, como figuras con tocados de plumas. En la década de 1960, se dedicó a las bellas artes, fabricando en gran medida objetos no funcionales.

Teodora Blanco Núñez (Mexicana, 1928-1980)

Teodora Blanco Núñez vivía en Santa María Atzompa, un pueblo cercano a la ciudad de Oaxaca conocido por su tradición alfarera, predominantemente liderada por mujeres. Hoy en día, es aclamada como una figura extraordinaria en la historia del arte popular de México, en parte debido a su aceptación por influyentes coleccionistas como Nelson Rockefeller y Diego Rivera. Núñez fusionó elementos utilitarios y artísticos con su distintiva técnica de pastillaje copiada del glaseado de azúcar, aplicando tratamientos superficiales a la arcilla para crear diseños intrincados y texturizados que dan forma a muñecas y criaturas fantásticas.

Madalena dos Santos Reinbolt (Brasileña, 1919-1977)

Los tapices bordados de Madalena dos Santos Reinbolt son narraciones visuales de sus recuerdos de infancia del campo bahiano en el noreste de Brasil. Al crecer, estuvo expuesta a formas de expresión artística como la cerámica y la confección de encajes por parte de las mujeres de su familia afrobrasileña. Aunque no pudo seguir una educación formal, utilizó el lenguaje visual para narrar sus experiencias, transformando agujas en lápices que dibujaban palabras en forma de figuras. En 1949 comenzó a trabajar como cocinera en la casa de la arquitecta brasileña Lota de Macedo Soares y su pareja, la escritora estadounidense Elizabeth Bishop. Durante este tiempo, Reinbolt elaboró intrincadas “pinturas de lana” utilizando desechos de algodón y docenas de agujas, ordenando pinceladas en forma de hilo en un lienzo. Aunque trabajó toda su vida como empleada doméstica, continuó haciendo arte.

Gisela Tello. (Venezolana, 1948– )

Alumna de María Luisa Tovar y luego aprendiz y amiga de Seka Severin, Gisela Tello descubrió en la cerámica un medio para expresarse a través de formas ovoides y esféricas, desafiando los principios inherentes al material: “El rigor reside en la forma; la libertad, para mí, radica en el esmalte”. Tello combina hábilmente dos esmaltes: una base mate y un color brillante, aplicados meticulosamente con un aerógrafo. Su maestría es evidente en la creación de transparencias, manchas y atmósferas, dando vida a grupos de colores vibrantes. Al integrar el esmalte en sus piezas a través de capas sucesivas y procesos de cocción precisos, Tello permite que el horno, la temperatura y el fuego dicten el resultado. En sus vasijas, la masa desafía la gravedad descansando delicadamente sobre la base, aliviando la pesadez esperada de la cerámica funcional.

Construyendo modernidad: El diseño en América Latina, 1940–1980 (Crafting Modernity: Design in Latin America, 1940–1980) se exhibe en el MoMA hasta el 22 de septiembre de 2024.