“War, violence, resources—it was all connected.”
In her work, Regina José Galindo subjects her body to the experiences of others. Her performances explore not only the histories and circumstances of people from her native Guatemala, but also the violence that power structures wreak around the world. For Galindo, the everyday lives of women, the disenfranchisement and decimation of Indigenous populations, the exploitation of nature, civil war, and the migration of Guatemalans to the United States are all interconnected through a colonial past and neo-colonial present. Today, these connections are structured around extraction—regardless of whether the commodity being extracted is a natural resource, like gold, or human labor, through contemporary forms of slavery.
Galindo was born in Guatemala City during a brutal civil war (1960–96) in which over 200,000 Guatemalans were killed or forcibly disappeared. A poet and pioneer of performance art, she is part of a generation of artists who came together after the end of the war. “Around 1997, ’98, and ’99, there was a feeling that things were about to change,” she remembered. “There was a degree of peace, and...we went out onto the streets. We started to produce art in public spaces. That was the moment when I went from the written word to visual poetry.” Early works, such as ¿Quién puede borrar las huellas? (Who Can Erase the Traces?) (2003), point to the war’s unacknowledged traumas and lingering social effects, the impunity of its most violent perpetrators, and the unfulfilled promises of the peace agreement.
To make America’s Family Prison (2008), the artist, her husband, and their young daughter spent 24 hours in a cell manufactured by a private prison company in the US, documenting their day in prison on video. Installed in an art gallery in San Antonio, Texas, the slick, prefabricated cube was designed to hold migrant families—many fleeing violence—from Central America. “The past and its atrocities continue to wreak havoc in the present and to mark our future,” Galindo has said.
For Looting (2010), Galindo hired a dentist in Guatemala to drill holes in her molars and fill them with gold from that country. She later traveled to Germany, where a doctor extracted the gold fillings, completing the cycle of resource extraction and migration. “In Looting, my mouth acts as a metaphor for my land,” Galindo has said. “My mouth represents my country, rich in resources, virgin, immaculate. The drill represents the extraction industry, drilling wantonly, stealing gold without any moral qualms.” Looting enacts the violence of extractive economies, like mining, as well as the illegal ways in which many artifacts have entered museum collections worldwide.
Like Looting, the video Tierra (2013) explores the connection between the exploitation of human lives and natural resources. In it, the artist stands naked and motionless in a field while an excavator digs an enormous ditch around her, leaving only the small patch of land on which she stands. Her performance reinterprets a massacre of Indigenous people during the civil war that became public in 2012, during the trial of the former dictator Efraín Rios Montt. “War, violence, resources—it was all connected,” Galindo has said. “A performance is not enough to express empathy, or rage, before a tragedy of that magnitude. But we do what we can.”
Julia Detchon, Curatorial Assistant, Department of Drawings and Prints, 2024
“Todo estaba conectado: guerra, violencia, recursos.”
En su obra, Regina José Galindo somete su cuerpo a las experiencias de los demás. Sus performances no sólo indagan en las historias y en las circunstancias de las personas de su Guatemala natal, sino también en la violencia que ejercen las estructuras de poder alrededor del mundo. Para Galindo, la vida cotidiana de las mujeres, la reducción de las poblaciones indígenas y la privación de sus derechos, la explotación de la naturaleza, la guerra civil y la migración de guatemaltecos a Estados Unidos son situaciones interconectadas entre sí por un pasado colonial y un presente neocolonial. En la actualidad, estas relaciones se articulan en torno a la extracción, independientemente de que la mercancía a extraer sea un recurso natural, como el oro, o la mano de obra humana, a través de formas contemporáneas de esclavitud.
Galindo nació en la Ciudad de Guatemala en tiempos de una brutal guerra civil (1960–96) en la que fueron asesinados o desaparecieron de forma violenta más de 200.000 guatemaltecos. Poeta y precursora del arte de la performance, forma parte de una generación de artistas que se agruparon tras el final de la guerra. “En 1997, 98´ y 99´, hay una sensación de que las cosas van a cambiar,” recuerda, “un ambiente de cierta paz y… salimos a las calles, tomamos las calles y empezamos a hacer arte en el espacio público. Ese fue el momento en donde yo paso de la palabra escrita, de la poesía escrita, a la poesía visual”. Ya en sus primeras obras, como ¿Quién puede borrar las huellas? (2003), la artista señalaba los traumas que aún no se habían admitido de la guerra y sus persistentes efectos sociales, la impunidad de los responsables más violentos y las promesas sin cumplir del acuerdo de paz.
Para crear America’s Family Prison (2008), la artista, su marido y su pequeña hija pasaron 24 horas encerrados en una celda fabricada por una empresa privada de cárceles estadounidenses, y documentaron en vídeo su día en prisión. El cubo prefabricado y liso había sido diseñado para alojar a familias migrantes procedentes de Centroamérica, muchas de las cuales huían de la violencia, y fue instalado en una galería de arte de San Antonio (Texas). “El pasado y sus atrocidades siguen causando estragos en el presente y marcando nuestro futuro”, declaró Galindo.
Para la obra Looting Saqueo, Galindo contrató a un dentista en Guatemala para que le perforara las muelas y las rellenara con oro de su país. Luego viajó a Alemania, donde un médico le extrajo los empastes de oro, completando así el ciclo de extracción de recursos y migración. “En Looting hago una metáfora de mi boca con mi tierra”, ha dicho Galindo. “Mi boca representaba mi tierra, llena de recursos, virgen, perfecta. El taladro representaba la industria extractiva, agujereando sin ningún tipo de ética, robando el oro sin ningún tipo de moral”. Looting representa tanto la violencia de las economías extractivas (tipo la minería), como la forma ilegal en la que muchos artefactos han entrado a las colecciones de museos de todo el mundo.
Al igual que en Looting, en el vídeo Tierra (2013) explora los vínculos entre la explotación de las vidas humanas y la de los recursos naturales. En él, se puede ver a la artista de pie, desnuda e inmóvil en un campo mientras una excavadora cava una enorme zanja a su alrededor, y finalmente sólo deja el pequeño trozo de tierra en el que se encuentra Galindo. La performance reinterpreta una masacre de indígenas ocurrida en tiempos de la guerra civil que salió a la luz en 2012, durante el juicio al ex dictador Efraín Ríos Montt. “Todo estaba conectado: guerra, violencia, recursos”, ha dicho Galindo. “Para sentir empatía ante una tragedia humana de tales magnitudes no basta un performance. Para expresar la rabia tampoco. Pero lo intentamos”.
Julia Detchon, Asistente Curatorial, Departamento de Dibujos y Grabados, 2024
