In an effort to engage in an in-depth study of MoMA’s Latin American holdings, the Cisneros Institute is initiating an annual seminar series, each iteration of which will approach the collection from a distinct and focused critical position.

Con el fin de promover un estudio detallado del acervo de arte latinoamericano del MoMA, el Instituto Cisneros pone en marcha una serie de seminarios anuales con la intención de que cada edición aborde la colección desde un aspecto crítico específico y distinto.

Hands On: Artisanal Attitudes in Latin American Art

Gego (Gertrud Goldschmidt). Weaving 90/36. 1990

May 1, 2024

Hands On explored the inspiration some Latin American artists drew from non-academic trades and crafts. The seminar closely examined three works from the collection: Articulated Mobile Sculpture (1948) by Gyula Kosice (Fernando Fallik, Argentine, 1924–2016), Tapestry no. 6 (1958) by Yente (Eugenia Crenovich, Argentine, 1905–1990), and Weaving 90/36, 1990 (1990) by Gego (Gertrud Goldschmidt, Venezuelan, 1912–1994).

The panel brought together scholars María Amalia García, Santiago Villanueva, and Jorge F. Rivas to examine these works while exploring the relationships (whether direct or imagined, continuous or fractured) of modern art with trades usually associated with female labor and the working classes. By centering works in which sculpture intersects with leatherworking tools, painting with embroidery, or drawing with handweaving, this session seek to highlight the nuanced ways in which artists have troubled the boundaries between high art and non-academic practices.

While Latin American art history has emphasized the sensory and conceptual innovations that artists developed in the latter half of the 20th century, the integration of artisanal know-how represents a vital yet understudied aspect of the art from the region. As Jorge F. Rivas has pointed out, an “artisanal attitude” permeated the creative endeavors of modern artists in the postwar period. In addition to highlighting the significance of craftsmanship within MoMA’s Latin American holdings, this session also prompted reflection on what is at stake when artists engage with cultural practices that have been excluded from avant-garde narratives due to their associations with popular culture, working-class trades, femininity, or tradition.

The discussion was moderated by Josefina de la Maza and conducted in Spanish with live English subtitles.

Speakers

María Amalia García is chief curator of Malba, the Buenos Aires Museum of Latin American Art. She holds doctoral and bachelor’s degrees in art history from the Faculty of Philosophy and Letters of the University of Buenos Aires (FFyL-UBA). She teaches courses in the program of Arts (FFyL-UBA) and is an independent researcher at CONICET (currently on leave). Among her books are El arte abstracto. Intercambios culturales entre Argentina y Brasil (2011), translated into English as Abstract Crossings: Cultural Exchange between Argentina and Brazil (2019). In 2019, she was a consulting curator of the exhibition Sur moderno: Journeys of Abstraction—The Patricia Phelps de Cisneros Gift, organized by Inés Katzenstein at The Museum of Modern Art, New York, and in 2021 she co-curated, together with Marcelo E. Pacheco and Javier Villa, Alberto Greco ¡Qué grande sos! at the Buenos Aires Museo de Arte Moderno. For Malba, she organized Yente Del Prete: Vida venturosa (2022) and Tercer ojo: Colección Costantini (2023).

Jorge F. Rivas Pérez, PhD, is the Frederick and Jan Mayer Curator of Latin American Art and department head at the Denver Art Museum. He previously served as the curator of Spanish Colonial art at the Colección Patricia Phelps de Cisneros in Venezuela, and as the associate curator of Latin American art at the Los Angeles County Museum of Art. Since joining the Denver Art Museum in 2016, Rivas Pérez has focused on reimagining the Latin American art department and reinstalling the permanent collection galleries. His recent curatorial projects at the museum include The Light Show, ReVisión: Art in the Americas, The Skeletal World of José Guadalupe Posada, and the forthcoming Have a Seat: Mexican Chair Design Today. He is the Latin American art editor and organizer of the Mayer Center Symposium program and publications and has contributed essays to publications on a wide range of Latin American art, design, decorative arts, architecture, and material culture topics. He was born in Caracas, Venezuela, and received a degree in architecture from the Universidad Central de Venezuela in Caracas, an MA from the University of Florence, Italy, and an MA and PhD from the Bard Graduate Center in New York City.

Santiago Villanueva is an artist and curator. He was part of the Nuevo Museo Energía de Arte Contemporáneo (2011–18). Between 2016 and 2017, he was the coordinator of education at the Buenos Aires Museo de Arte Moderno, and during 2021 he was the curator of public programs and education at the Malba (Buenos Aires Museum of Latin American Art). He has curated numerous exhibitions, among them Huyamos a Buenos Aires nadie podrá encontrarnos. Roberto Jacoby (Mexico City, Museo Universitario del Chopo, 2023), Todo es mucho (Buenos Aires, Universidad Torcuato Di Tella, 2022), Terapia (Buenos Aires, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, 2021), and Las relaciones mentales. Eduardo Costa (Mexico City, Museo Tamayo, 2017). He is the author of the book El surrealismo rosa de hoy (2021).

Respondent and moderator

Josefina de la Maza is an art historian. She is an assistant professor in the History Department of the Faculty of Liberal Arts of the Universidad Adolfo Ibáñez in Santiago, Chile. Her academic interests center on the development of 19th- and 20th-century art in Chile and Latin America, with particular emphasis on the founding of museums and academies of fine art, dialogues between different pictorial genres, and the links between art and the applied arts. She is currently studying textile art in Chile from the first half of the 20th century and the connections between the arts, popular arts, crafts, and trades. She curated the exhibition Tejido social: arte textil y compromiso político en el Museo de la Solidaridad (Santiago, 2019) and has developed research projects on the Chilean artist and artisan Paulina Brugnoli, the weavers of Isla Negra, and political arpilleras. She has received grants from the Fundación Coimbra, the Social Sciences Research Council, the Fulbright Foundation, FONDART, and ANID.

Manos a la obra indagó sobre los oficios y prácticas artesanales ajenas a las bellas artes que sirvieron como fuente de inspiración para ciertos artistas latinoamericanos. El seminario examinó en detalle tres obras de la colección: Escultura móvil articulada (1948) de Gyula Kosice (Fernando Fallik, Argentina, 1924-2016); Tapiz no. 6 (1958) de Yente (Eugenia Crenovich, Argentina, 1905-1990); y Tejedura 90/36, 1990 (1990) de Gego (Gertrud Goldschmidt, Venezuela, 1912-1994).

El panel reunió a los investigadores María Amalia García, Santiago Villanueva y Jorge F. Rivas para reflexionar y explorar los vínculos (directos o imaginarios, continuos o fragmentarios) entre el arte moderno y oficios generalmente asociados con el trabajo de mujeres y clases trabajadoras. Al centrarse en obras en las que la escultura se cruza con herramientas de marroquinería, la pintura con el bordado o el dibujo con el tejido a mano, el encuentro buscó poner el foco en los distintos matices con los que los artistas han problematizado los límites entre las bellas artes y las prácticas no académicas.

Mientras que la historia del arte latinoamericano ha hecho hincapié en las innovaciones sensoriales y conceptuales desarrolladas por artistas durante la segunda mitad del siglo XX, la integración de conocimientos artesanales constituye un aspecto vital pero poco estudiado del arte de la región. Como ha señalado Jorge F. Rivas, una “actitud artesanal” impregnó los proyectos creativos de los artistas modernos durante el período de posguerra. Además de destacar la importancia de prácticas artesanales en el acervo del MoMA, el encuentro invitó a reflexionar sobre todo lo que está en juego cada vez que artistas dialogan con prácticas culturales que han sido excluidas de las narrativas vanguardistas por estar vinculadas a la cultura popular, los oficios de la clase trabajadora, lo femenino o la tradición.

Josefina de la Maza moderó el debate, que se desarrolló en español con subtítulos en inglés en vivo.

Participantes

María Amalia García es curadora en jefe de Malba-Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires. Es doctora y licenciada en historia del arte por la Facultad de Filosofía y Letras (FFyL-UBA). Es docente en la carrera de Artes (FFyL-UBA) e investigadora independiente de CONICET (actualmente en licencia). Es autora, entre otros libros, de El arte abstracto. Intercambios culturales entre Argentina y Brasil (2011), traducido como Abstract Crossings: Cultural Exchange between Argentina and Brazil (2019). En 2019 fue curadora asesora de la exposición Sur moderno: Journeys of Abstraction—The Patricia Phelps de Cisneros Gift, organizada por Inés Katzenstein en el Museo de Arte Moderno, Nueva York, y en 2021 co-curó, junto con Marcelo E. Pacheco y Javier Villa, Alberto Greco ¡Qué grande sos! en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Desde Malba organizó Yente Del Prete. Vida venturosa (2022) y Tercer ojo. Colección Costantini en Malba (2023).

Jorge F. Rivas Pérez (doctorado) es el Curador Frederick y Jan Mayer de Arte Latinoamericano y jefe de departamento del Denver Art Museum en Denver, Colorado. Antes fue curador de arte colonial español en la Colección Patricia Phelps de Cisneros en Venezuela, y curador adjunto de arte latinoamericano en Los Ángeles County Museum of Art. Desde su incorporación al Denver Art Museum en 2016, Rivas Pérez se ha dedicado a reconceptualizar el departamento de arte latinoamericano y reinstalar las galerías de la colección permanente. Sus últimos proyectos curatoriales en el museo incluyen The Light Show, ReVisión: Art in the Americas, The Skeletal World of José Guadalupe Posada y la próxima Have a Seat: Mexican Chair Design Today. Es editor de arte latinoamericano y organizador del programa y de las publicaciones del Mayer Center Symposium, y ha colaborado en distintas publicaciones con ensayos que cubren una amplia gama de temas relacionados al arte, el diseño, las artes decorativas, la arquitectura y la cultura material de Latinoamérica. Nació en Caracas (Venezuela) y se licenció en arquitectura en la Universidad Central de Venezuela en Caracas, obtuvo un máster en la Universidad de Florencia (Italia), y un máster y un doctorado en el Bard Graduate Center de Nueva York.

Santiago Villanueva es artista y curador. Fue parte del Nuevo Museo Energía de Arte Contemporáneo (2011–18). Entre 2016 y 2017 fue curador pedagógico del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y, durante el 2021, fue curador de Programas Públicos y Educación del Malba (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires). Fue curador de numerosas exhibiciones, entre ellas: Huyamos a Buenos Aires nadie podrá encontrarnos. Roberto Jacoby (Ciudad de México, Museo Universitario del Chopo, 2023), Todo es mucho (Buenos Aires, Universidad Torcuato Di Tella, 2022), Terapia (Buenos Aires, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, 2021), Las relaciones mentales. Eduardo Costa (Ciudad de México, Museo Tamayo, 2017). Es autor del libro El surrealismo rosa de hoy (2021).

Moderadora y comentarios críticos

Josefina de la Maza es historiadora del arte. Es profesora asistente del departamento de historia de la Facultad de Artes Liberales de la Universidad Adolfo Ibáñez en Santiago, Chile. Sus intereses académicos tienen que ver con el desarrollo del arte de los siglos XIX y XX en Chile y Latinoamérica. En particular, ha estudiado la fundación de academias de bellas artes y museos, los diálogos entre distintos géneros pictóricos y los vínculos entre el arte y las artes aplicadas. Actualmente se encuentra estudiando el arte textil de la primera mitad del siglo XX en Chile y los vínculos entre las artes, las artes populares, las artesanías y los oficios. Fue curadora de la exposición Tejido social: arte textil y compromiso político en el Museo de la Solidaridad (Santiago, 2019) y ha desarrollado proyectos de investigación sobre la artista y artesana chilena Paulina Brugnoli, las bordadoras de Isla Negra y arpilleras políticas. Ha sido becaria de la fundación Coimbra, la Social Sciences Research Council, la Fundación Fulbright, FONDART y ANID.

Anti-paisajes
Gilda Mantilla, Raimond Chaves. Secrets of the Amazon. 2011. Two sets of eighty 35mm black and white slides.

July 18, 2023

The canonical figures of Latin American landscape as we know them today were historically constructed through images created by European explorers, scientists, and photographers who traveled in order to learn about the “New World.” This history of the stereotypical construction of landscapes is reconsidered by artists Elena Damiani, Gilda Mantilla and Raimond Chaves, and José Alejandro Restrepo through travel, but above all from the study of photographs, engravings, and narrations from historical archives. Focusing on these materials, their works aim to propose new strategies and experiences of landscape: a critical use of documentary sources together with new modes of territorial exploration.

In this online seminar, three scholar/curators will analyze the complexity of three major works in the exhibition Chosen Memories: Contemporary Latin American Art from the Patricia Phelps de Cisneros Gift and Beyond: Gilda Mantilla and Raimond Chaves’s double slide projection Secrets of the Amazon (2011), José Alejandro Restrepo’s video installation El paso del Quindío I (1992), and Elena Damiani’s sculpture Fading Field No. 1 (2012). Sofía Hernández Chong Cuy, Jens Andermann, and Florencia Portocarrero will analyze the aforementioned works by delving into the following questions: Is it possible to reverse the romantic and exoticizing gazes on South America through the critical use of precisely those materials that helped create these conceptions? What is the role of the artist’s corporeal experience of territories in works otherwise based on the use of existing images and narratives? And, related to this topic, what implications does exploratory travel have for present-day artists? And, finally, have these works been contributing to a kind of contemporary “anti-landscape art,” according to the definition of the artistic duo of Gilda Mantilla and Raimond Chaves?

Writer Graciela Speranza will act as respondent.

As part of the series of online seminars devoted to the study of the Cisneros donation that the Institute has been holding since 2021, this session will attempt to throw light on essential questions for thinking about new ways of relating to history and the land.

Speakers

Jens Andermann is professor of Spanish and Portuguese at New York University and an editor of the Journal of Latin American Cultural Studies. His most recent books are Jardín (2023), Entranced Earth: Art, Extractivism, and the End of Landscape (2023; Spanish ed. 2018), Handbook of Latin American Environmental Aesthetics (with Gabriel Giorgi and Victoria Saramago, 2023), and Natura: Environmental Aesthetics After Landscape (with Lisa Blackmore and Dayron Carrillo Morell, 2018). He writes about Latin American and Luso-African art, film, and literature created between the 19th and 21st centuries.

Since 2018, Sofía Hernández Chong Cuy has been director at Kunstinstituut Melly in Rotterdam, the institution formerly known as Witte de With Center for Contemporary Art. Previously she had a seven-year tenure as the curator of contemporary art at Colección Patricia Phelps de Cisneros. Over the past two decades, she has worked at various other institutions and has guest-curated numerous projects internationally, including exhibitions for the Bronx Museum of the Arts, Kadist Art Foundation in Paris, and the Center for Contemporary Art in Vilnius, as well as the 9a Bienal do Mercosul Porto Alegre in Brazil.

Florencia Portocarrero is an interdependent curator. Within and outside of institutions, her cultural practice intertwines writing, lecturing, teaching, and the organization of both exhibitions and public programs. Her research interests are focused on how to rewrite art history from a feminist perspective and the questioning of hegemonic forms of knowledge. She has participated in several international conferences and her writings on art and culture appear regularly in specialized magazines and publications. In Lima, she has worked as a public program curator at Proyecto AMIL (2015–19) and was a curatorial advisor of the Museo de Arte de Lima–MALI Contemporary Art Acquisitions Committee (2018–20). Since 2014 she has been co-director of Bisagra, an art collective in which she has worked collaboratively with artists and professionals from different fields and backgrounds to pursue politically engaged and socially sensitive artistic projects.

Moderator

Graciela Speranza is an essayist, fiction writer, and screenwriter. She received her doctorate in literature from the University of Buenos Aires, where she taught Argentine literature. Since 2009, she has been a professor in the Art Department at the Torcuato Di Tella University. Among other books, she has published the nonfiction studies Manuel Puig: Después del fin de la literatura, Fuera de campo: Literatura y arte argentinos después de Duchamp, Atlas portátil de América Latina (a finalist for the Premio Anagrama de Ensayo), Cronografías: Arte y ficciones de un tiempo sin tiempo, Lo que no vemos, lo que el arte ve, and two novels, Oficios ingleses and En el aire. In 2002 she received a Guggenheim grant, and in 2012 she edited, with Rita Eder and Dawn Ades, an anthology published by the Getty Research Institute, Surrealism in Latin America: Vivísimo muerto. In 2014 she was the Tinker Visiting Professor at Columbia University, and in 2019 she was a visiting professor at Cornell University. As a cultural critic, she has contributed to Crisis, Babel, Página 12, Clarín, La Nación, and the Spanish daily El País. Since 2003, she has co-edited, with Marcelo Cohen, the journal of arts and letters Otra parte.

Con el fin de profundizar el estudio de la colección de obras latinoamericanas del MoMA, el Instituto Cisneros organiza todos los años un seminario que, en cada ocasión, aborda la colección desde una perspectiva crítica particular.

Las figuras canónicas del paisaje latinoamericano tal como las conocemos hoy fueron construidas inicialmente a través de imágenes creadas por exploradores, científicos y fotógrafos europeos que viajaron para conocer el “nuevo mundo”. Esta historia de construcción estereotipada del paisaje es revisada por Elena Damiani, Gilda Mantilla y Raimond Chaves, y José Alejandro Restrepo a través de viajes, pero sobre todo del estudio de fotos, grabados y narraciones provenientes de archivos históricos. Poniendo el foco en estos materiales, sus obras aspiran a proponer nuevas estrategias y experiencias de paisaje: un uso crítico de las fuentes documentales sumado a nuevas formas de exploración territorial.

En este seminario en línea, tres investigadores/curadores analizarán la complejidad de tres obras centrales en la exposición Chosen Memories: Contemporary Latin American Art from the Patricia Phelps de Cisneros Gift and Beyond: la doble proyección de diapositivas Secretos de la Amazonía (2011) de Gilda Mantilla y Raimond Chaves; la video instalación El paso del Quindío I (1992) de José Alejandro Restrepo, y la escultura Fading Field No. 1 (2012) de Elena Damiani. Sofía Hernández Chong Cuy, Jens Andermann y Florencia Portocarrero analizaran las obras ahondando en las siguientes preguntas: ¿Es posible revertir o conjurar las miradas románticas y exotizantes sobre Sud América a través del uso crítico justamente de materiales que coadyuvaron a crear esas concepciones?, ¿cuál es el rol de la experiencia corporal en los territorios en obras que se fundamentan en el uso de imágenes y relatos existentes? Y en relación con éste tema: frente a la tradición de los artistas viajeros, ¿qué implicancias trae consigo el viaje de exploración para los artistas actuales? Y por último, ¿han estado estas obras aportando a una suerte de “anti-paisajística” contemporánea, según la definición del dúo de artistas conformado por Gilda Mantilla y Raimond Chaves?

La sesión contará con la escritora Graciela Speranza como moderadora.

Como parte de la serie de seminarios online dedicados al Estudio de la Donación Cisneros que el Instituto lleva adelante desde 2021, este encuentro intentará echar luz sobre preguntas esenciales a la hora de pensar nuevas formas de relación con la historia y con la tierra.

Bios

Jens Andermann es profesor de español y portugués en la Universidad de Nueva York y editor del Journal of Latin American Cultural Studies. Sus últimos libros son: Jardín (2023); Entranced Earth: Art, Extractivism, and the End of Landscape (2023; ed. en español 2018); Handbook of Latin American Environmental Aesthetics, junto a Gabriel Giorgi y Victoria Saramago (2023) y Natura. Estética ambiental después del paisaje, con Lisa Blackmore y Dayron Carrillo Morell (2018). Escribe sobre arte, cine y literatura latinoamericanos y lusoafricanos entre los siglos XIX y XXI.

Desde 2018, Sofía Hernández Chong Cuy _es directora del Kunstinstituut Melly en Rotterdam –antes conocido como Witte de With Center for Contemporary Art. Anteriormente se desempeñó como curadora de arte contemporáneo en la Colección Patricia Phelps de Cisneros durante siete años. A lo largo de las dos últimas décadas, Sofía ha colaborado con muchas otras instituciones y ha participado como curadora invitada en numerosos proyectos internacionales, entre los que se incluyen exposiciones para el Bronx Museum of the Arts en Nueva York, la Kadist Art Foundation en París y el Center for Contemporary Art en Vilna, así como la 9a Bienal do Mercosul Porto Alegre en Brasil._

Florencia Portocarrero es una curadora interdependiente. Su práctica cultural combina la escritura, las conferencias, la docencia y la organización de exposiciones y programas públicos, tanto dentro como fuera del ámbito institucional. Sus intereses de investigación giran en torno a los modos de reescribir la historia del arte desde una perspectiva feminista y al cuestionamiento de las formas hegemónicas de conocimiento. Ha participado en diversos congresos internacionales y sus textos sobre arte y cultura aparecen en revistas y publicaciones especializadas con frecuencia. En Lima, trabajó como Curadora de Programas Públicos en Proyecto AMIL (2015–19) y fue Asesora de Curaduría del Comité de Adquisiciones de Arte Contemporáneo del Museo de Arte de Lima-MALI (2018–20). Desde 2014 es co-directora de Bisagra, un colectivo de arte en el que ha trabajado de forma colaborativa junto a artistas y profesionales de distintas áreas y orígenes para desarrollar proyectos artísticos comprometidos en lo político y sensibles en lo social.

Moderadora

Graciela Speranza es ensayista, narradora y guionista de cine. Se doctoró en letras en la Universidad de Buenos Aires donde enseñó literatura argentina. Desde 2009 es profesora en el Departamento de Artes de la Universidad Torcuato Di Tella. Entre otros libros ha publicado los ensayos Manuel Puig. Después del fin de la literatura, Fuera de campo. Literatura y arte argentinos después de Duchamp, Atlas portátil de América Latina (finalista del Premio Anagrama de Ensayo), Cronografías. Arte y ficciones de un tiempo sin tiempo, Lo que no vemos, lo que el arte ve, y dos novelas, Oficios ingleses y En el aire. En 2002 recibió la beca Guggenheim y en 2012 editó junto con Rita Eder y Dawn Ades el volumen antológico del Instituto de Investigación Getty, Surrealism in Latin America. Vivísimo muerto. En 2014 fue Tinker Visiting Professor en la Universidad de Columbia y en 2019 profesora visitante en la Universidad de Cornell. Como crítica cultural colaboró en Crisis, Babel, Página 12, Clarín, La Nación y El País de España. Desde 2003 dirige con Marcelo Cohen la revista de letras y artes Otra parte.

El programa será en español con traducción simultánea al inglés.

Este evento se enmarca en la exposición Chosen Memories: Contemporary Latin American Art from the Patricia Phelps de Cisneros Gift and Beyond.

Ambivalent Relations: Latin American Artists Responding to Marcel Duchamp during the 1960s and ’70s
Cildo Meireles. To Be Curved with the Eyes. 1970/78. Wood box, iron bars, enamel plaque, glass and graph paper.

September 14, 2022

In an effort to engage in an in-depth study of MoMA’s Latin American holdings, the Cisneros Institute holds an annual seminar. Each year, we approach the collection from a distinct and focused critical position.

This year’s seminar, Ambivalent Relations, explores the relationship between Marcel Duchamp and key figures of Conceptualism in Latin America by closely examining three works in the collection produced between 1967 and 1978: To Be Curved with the Eyes (1970/78), by Cildo Meireles, Haute Couture (1967–68), by Claudio Perna, and Interrogations sur la Femme (Interrogations about Woman) (1978), by Lea Lublin.

The panel will bring together scholars Sérgio B. Martins, Sean Nesselrode Moncada, Andrea Giunta, and Kaira M. Cabañas to study how these works generate new understandings of Latin American artists’ myriad and productive responses to Duchamp. As is well known, Duchamp spent nine months in Buenos Aires in 1918, during which time he reconceived of his practice of making Readymades as a trans-Atlantic endeavor. It is also well known that, although Duchamp had no contact with local artists during his stay, decades later his work became a touchstone for a select number of Latin American artists experimenting with Conceptualism. And yet the specific nature of his reception in the region requires further study. This panel will explore a number of ways in which artists in Latin America encountered and responded to Duchamp’s work and ideas by focusing on individual artists and objects. It will also, in the process, call into question the very authority of his legacy in the region.

Conceived by Harper Montgomery with Kaira M. Cabañas as respondent, the panel will consider the following questions: How can we trace the nature of Latin American artists’ encounters with Duchamp? In addition to direct encounters with artworks, how can we account for the roles that rumor, reproductions in the art press, transmission through the work of other artists, and other conduits may have played? What were artists’ responses to Duchamp and how did these responses continue, redirect, or reject his proposals? Considering Duchamp’s role in charting histories of avant-gardism, how do Latin American artists’ responses to and reconfigurations of Duchamp shift the role his work has played in art history? How is our understanding of Conceptualism adjusted by Latin American artists’ uses of Duchamp? And, finally, should Duchamp be struck from the historical record entirely?

Speakers

Andrea Giunta is a writer and curator, principal researcher at CONICET, Argentina, and a professor at the Universidad de Buenos Aires. She is the former cofounding director of CLAVIS, Center for Latin American Visual Studies, at the University of Texas, where she was the Chair in Latin American Art History and Criticism. She is the author of several books on Latin American art, including Avant-Garde, Internationalism and Politics: Argentine Art in the Sixties (2007); The Political Body: Stories on Art, Feminism, and Emancipation in Latin America (forthcoming in 2023); Rethinking Everything (2021), Contra el canon. Arte contemporáneo en un mundo sin centro (2020); and Feminismo y arte latinoamericano: Historias de artistas que emanciparon el cuerpo (2018). She was curator of León Ferrari Retrospective (Buenos Aires, CCR, 2004, Pinacoteca de São Paulo, 2006); and co-curator of Verboamérica (Buenos Aires, Museo de Arte Latinoamericano, MALBA, 2016) and Radical Women: Latin American Art, 1960–1985 (Hammer Museum, LA; Brooklyn Museum, NY; Pinacoteca de São Paulo, 2017–18). In 2020 she was chief curator of the Bienal 12 Mercosul, Feminine(s): Visualities, Actions, Affects (Porto Alegre, Brazil).

Sérgio B. Martins teaches art history at PUC-Rio and was a CAPES/Humboldt Fellow at Freie Universität Berlin from 2020 to 2022. He is the author of Constructing an Avant-Garde: Art in Brazil, 1949–1979 (2013) and numerous essays in exhibition catalogues, including Hélio Oiticica: to Organize Delirium (2017), Cildo Meireles (2013) and Lygia Pape: a Multitude of Forms (2017). His articles have appeared in journals such as October, ARTMargins, ARS, MODOS, Novos Estudos, Artforum, and Third Text. His current book project focuses on the transnational trajectory of Brazilian artist Antonio Dias after he moved first to Paris and then to Milan in the late 1960s.

Sean Nesselrode Moncada is an associate professor in the Department of Theory and History of Art and Design at Rhode Island School of Design. His research focuses on visual and material modernisms in the Americas and their contested socio-ecological dimensions. His forthcoming book Refined Material: Petroculture and Modernity in Venezuela (2023) examines the development of Venezuelan modernisms through the lens of oil extraction and refinement.

Respondent and moderator

Kaira M. Cabañas is a professor of art history and affiliate faculty in the Center for Latin American Studies at the University of Florida, Gainesville. She is the author of multiple books, including Immanent Vitalities: Meaning and Materiality in Modern and Contemporary Art (2021), which received the Frank Jewett Mather Award from the College Art Association, and Learning from Madness: Brazilian Modernism and Global Contemporary Art (2018). She is currently at work on a book titled Deviant Art Histories: From Radical Psychiatry to Cultural Citizenship.

This program was conceived by Harper Montgomery, who currently serves on the Cisneros Institute Advisory Board. She teaches in the Art and Art History Department at Hunter College in New York City. She has written for Art Bulletin, Art Journal, and the Brooklyn Rail, and has organized exhibitions on 19th-century, 20th-century, and contemporary art for the galleries of Hunter College. Her book The Mobility of Modernism: Art and Criticism in 1920s Latin America (2017) won the Arvey Foundation Book Award for distinguished scholarship on Latin American Art. Her current research, for which she has received a Dedalus Senior Foundation Fellowship, concerns the ascent of artesanía within contemporary art spaces in Latin America between the 1970s and the late 1980s.

Con el fin de profundizar el estudio de los fondos latinoamericanos del MoMA, el Instituto Cisneros organiza todos los años un seminario que en cada ocasión aborda la colección desde una perspectiva crítica distinta y particular.

El seminario de este año, titulado “Relaciones ambivalentes”, explora el vínculo entre Marcel Duchamp y algunas figuras clave del arte conceptual en América Latina, analizando en profundidad tres obras de la colección realizadas entre 1967 y 1978: To Be Curved with the Eyes (1970–78) de Cildo Meireles, Haute Couture (1967–68) de Claudio Perna e Interrogations sur la Femme (Interrogations about Woman) (1978) de Lea Lublin.

El panel reunirá a los investigadores Sérgio B. Martins, Sean Nesselrode Moncada, Andrea Giunta y Kaira M. Cabañas para analizar el modo en que estas obras de la colección del MoMA promueven un nuevo acercamiento a las numerosas y fructíferas respuestas de los artistas latinoamericanos a Duchamp. Como se sabe, en 1918 Duchamp pasó nueve meses en Buenos Aires, período en el que reimaginó su práctica de “readymades” como un esfuerzo transatlántico. También se sabe que, si bien no entró en contacto con los artistas locales durante su estadía, décadas más tarde la obra de Duchamp se convirtió en una referencia obligada para un selecto grupo de artistas latinoamericanos que experimentaron con el arte conceptual. Sin embargo, las características específicas de su recepción en la región requieren de un estudio más profundo. El panel pretende explorar las diversas formas en que los artistas de América Latina conocieron y reaccionaron a la obra y a las ideas de Duchamp, centrándose en artistas y objetos individuales. En el proceso, también pretende poner en duda la legitimidad de su legado en la región.

Diseñado por Harper Montgomery y con la participación de Kaira M. Cabañas como moderadora, el panel abordará las siguientes preguntas: ¿Cómo podemos rastrear la naturaleza de los encuentros de los artistas latinoamericanos con Duchamp? Más allá del contacto directo con las obras de arte, ¿cómo considerar, además, el papel que pueden haber desempeñado los rumores, las reproducciones en la prensa especializada, la difusión a través de la obra de otros artistas y demás canales? ¿Cómo fueron las reacciones de los artistas a Duchamp y de qué forma esas reacciones continuaron, reorientaron o rechazaron sus propuestas? Considerando el papel que ejerció Duchamp en el registro de historias de vanguardias: ¿De qué forma las respuestas y reconfiguraciones de los artistas latinoamericanos a Duchamp modifican el papel que su obra ha desempeñado en la historia del arte? ¿De qué forma nuestra propia interpretación del arte conceptual se ha modificado por la forma en que los artistas latinoamericanos han usado a Duchamp? Y, por último, ¿se debería eliminar completamente a Duchamp del archivo histórico?

Participantes

Andrea Giunta es escritora y curadora, investigadora principal del CONICET (Argentina) y profesora de la Universidad de Buenos Aires. Fue cofundadora y directora de CLAVIS, Centro de Estudios Visuales Latinoamericanos de la Universidad de Texas, donde fue titular de la Cátedra de Historia y Crítica del Arte Latinoamericano. Es autora de varios libros sobre arte latinoamericano, entre los que se encuentran: Avant-garde, Internationalism and Politics. Argentine Art in the Sixties (2007); The Political Body. Stories on Art, Feminism, and Emancipation in Latin America (que saldrá publicado próximamente en 2023); Rethinking Everything (2021); Contra el canon. Arte contemporáneo en un mundo sin centro (2020); y Feminismo y arte latinoamericano. Historias de artistas que emanciparon el cuerpo (2018). Fue curadora de la Retrospectiva de León Ferrari (Buenos Aires, CCR, 2004; Pinacoteca de São Paulo, 2006); curadora de Verboamérica (Museo de Arte Latinoamericano [MALBA], Buenos Aires, 2016) y de Radical Women. Latin American Art, 1960–1985 (Hammer Museum, LA; Brooklyn Museum, NY; Pinacoteca de São Paulo, 2017–18). En 2020 fue curadora jefe de la Bienal 12 Mercosul, Femenino(s). Visualidades, Actions, Affects (Porto Alegre, Brasil).

Sérgio B. Martins es profesor de historia del arte en la PUC-Rio y, entre 2020 y 2022, fue becario CAPES/Humboldt en la Freie Universität Berlin. Es autor de Constructing an Avant-Garde: Art in Brazil, 1949-1979 (2013) y de una gran cantidad de ensayos publicados en catálogos de exposiciones como Hélio Oiticica: to Organize Delirium (2017), Cildo Meireles (2013) y Lygia Pape: a Multitude of Forms (2017). Ha publicado artículos en revistas como October, ARTMargins, ARS, MODOS, Novos Estudos, Artforum y Third Text. En la actualidad, se encuentra trabajando en el proyecto de un libro sobre la carrera transnacional del artista brasileño Antonio Dias después de haberse trasladado primero a París y luego a Milán, a finales de los años sesenta.

Sean Nesselrode Moncada es profesor adjunto del Departamento de Teoría e Historia del Arte y Diseño en la Escuela de Diseño de Rhode Island. Su investigación gira en torno a los modernismos tanto visuales como materiales en el continente americano y sus controvertidas dimensiones socioecológicas. Su próximo libro, Refined Material: Petroculture and Modernity in Venezuela (2023) estudia el desarrollo de los modernismos en Venezuela desde la perspectiva de la extracción y el refinamiento del petróleo.

Moderadora y comentarios críticos

Kaira M. Cabañas es profesora de Historia del Arte y colaboradora del cuerpo docente del Centro de Estudios Latinoamericanos de la Universidad de Florida, Gainesville. Es autora de varios libros, entre los que se incluyen Immanent Vitalities: Meaning and Materiality in Modern and Contemporary Art (2021), que recibió el premio Frank Jewett Mather de la College Art Association; y de Learning from Madness: Brazilian Modernism and Global Contemporary Art (2018). Actualmente se encuentra trabajando en un libro titulado Deviant Art Histories: From Radical Psychiatry to Cultural Citizenship.

Este programa fue diseñado por Harper Montgomery, quien actualmente forma parte del Consejo Asesor del Instituto Cisneros. Es profesora del Departamento de Arte e Historia del Hunter College en Nueva York. Ha escrito artículos para Art Bulletin , Art Journal y Brooklyn Rail, y ha dirigido exposiciones sobre arte del siglo XIX, del siglo XX y contemporáneo en las galerías del Hunter College. Su libro The Mobility of Modernism: Art and Criticism in 1920s Latin America fue publicado en 2017 por la University of Texas Press y ganó el Arvey Foundation Book Award por su brillante estudio del arte latinoamericano. Su proyecto de investigación actual, por el que ha recibido una beca senior de la Fundación Dedalus, se ocupa del ascenso de las artesanías dentro de los espacios de arte contemporáneo en América Latina entre los años setenta y finales de los ochenta.

Matters of Fact: The Concrete and the Conceptual in 1970s Latin America
Héctor Fuenmayor. Citrus 6906. 1973/2014. Wall paint and vinyl, dimensions variable.

Sepeptember 21, 2021

In an effort to engage in an in-depth study of MoMA’s Latin American holdings, the Cisneros Institute is initiating an annual seminar series, each iteration of which will approach the collection from a distinct and focused critical position.

This year’s seminar, Matters of Fact, will explore the relationships between Concrete art and Conceptualism in Latin America through the close study of three works produced in the 1970s: Citrus 6906 (1973/2014) by Héctor Fuenmayor, the Carimbos series (1978) by Carmela Gross, and Time (1970) by David Lamelas.

This panel will bring together scholars and curators Félix Suazo, Beverly Adams, and María José Herrera to study these emblematic works in MoMA’s collection, exploring the complex questions around abstraction, serialization, institutional critique, and temporality that redefined and expanded artistic practices in the 1970s. While scholars and curators have previously debated the possible links between these two key moments in the history of Latin American art, it nevertheless remains an understudied subject that provides crucial perspectives on artistic production in the region.

Moderated by Gabriel Pérez Barreiro, the panel will elaborate on the following questions: How can we understand the relationship between Concrete art and Conceptualism in Latin America? Is it a relationship of opposition, reinvention, and/or continuity? In what ways have artists thought in, between, and beyond these art-historically defined movements? Does Concrete art contain the seeds of Conceptualist practices, or did the shift from a postwar developmentalist framework to the collapse of democracy in the 1970s establish a new context in which art and politics were completely re-signified?

Speakers Beverly Adams is the Estrellita Brodsky Curator of Latin American Art at The Museum of Modern Art. Before joining MoMA, Adams was curator of Latin American art at the Blanton Museum of Art at the University of Texas at Austin. During her time at the Blanton, she spearheaded the reinstallation of the Latin American permanent collection galleries in 2017 and was instrumental in the acquisition of Dr. Jacqueline Barnitz’s collection of Latin American art. From 2001 to 2013 Adams was curator for the Diane and Bruce Halle Collection, where she helped assemble one of the most important private collections of modern and contemporary Latin American art in the United States. With Natalia Majluf, Adams most recently organized The Avant-garde Networks of Amauta: Argentina, Mexico, and Peru in the 1920s (2019). The catalogue for this exhibition was awarded the Association for Latin American Art Arvey Foundation Exhibition Catalogue Award.

From 1987 to 2012, María José Herrera worked in a number positions at the Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) in Argentina: from 2000 to 2012, she was head of the Research Department; and in 2008, she was appointed to the yearlong position of artistic director. Additionally, from 2014 to 2018, she served as general director of the Museo de Arte Tigre in Buenos Aires Province. Her research centers on contemporary art, Argentinian art, and museum studies. In 2012 she formed the Study Group on Museums and Exhibitions (GEME), devoted to analyzing the role of exhibitions in the writing of art history. As a curator, she has been responsible for a number of national and international exhibitions on abstraction, Conceptualism, and Pop art from Argentina. In 2014, Herrera published Cien años de Arte argentino. From 2007 to 2016 she was president of the Argentine Association of Art Critics (AACA-AICA). She is a researcher at the Centro Materia, Cultura y Arte, and professor at the Universidad Nacional Tres de Febrero (UNTREF).

Félix Suazo is a professor, researcher, and curator. He graduated from the Instituto Superior de Arte in Havana in 1990. From 2002 to 2003 he worked toward a master’s degree in curatorial studies at the Universidad de Valladolid in Spain. He has done research at the Galería de Arte Nacional (1997–2003) and the Museo de Arte Contemporáneo (2004–08), both in Caracas. Since 2007, he has formed part of the curatorial team at El Anexo/Arte Contemporáneo. From 2008 to 2013, he was the exhibition coordinator and curator at Periférico Caracas/Arte Contemporáneo. He was the director of Sala TAC from 2015 to 2018. In 2018, he was named educational curator of the XIV Cuenca Biennial in Ecuador.

Moderator Gabriel Pérez-Barreiro is senior advisor to the Colección Patricia Phelps de Cisneros in New York and Caracas, of which he was director and chief curator from 2008 to 2018. He was chief curator of the 33rd Bienal de São Paulo, Brazil (2018), and curator of the Brazilian pavilion at the 58th Venice Biennale (2019). He was curator of Latin American art at the Blanton Museum of Art, University of Texas at Austin, from 2002 to 2008, and director of visual arts at the Americas Society, New York. In 2007 he was chief curator of the 6th Mercosul Biennial in Porto Alegre, Brazil. He has a PhD in art history and theory from the University of Essex and has published and lectured widely on modern and contemporary art from Latin America. He is also a member of the Esthetical Society for Transcendental and Applied Realization.

Matter of Fact is organized in collaboration with Harper Montgomery and Gabriel Perez-Barreiro, both members of the Cisneros Institute Advisory Board. Special thanks to Daniel R. Quiles.

The program will be in English and Spanish, with simultaneous translation.

Con el fin de promover un estudio detallado del acervo de arte latinoamericano del MoMA, el Instituto Cisneros pone en marcha una serie de seminarios anuales con la intención de que cada edición aborde la colección desde un aspecto crítico específico y distinto.

El seminario de este año, Matters of Fact, analizará las relaciones entre el arte concreto y el arte conceptual en América Latina mediante el estudio en profundidad de tres obras producidas en la década de 1970: Citrus 6906 (1973/2014) de Héctor Fuenmayor, la serie Carimbos (1978) de Carmela Gross y Time (1970) de David Lamelas.

El panel reunirá a los prestigiosos académicos y curadores Félix Suazo, Beverly Adams y María José Herrera con el fin de examinar estas obras emblemáticas de la colección del MoMA, indagando en los complejos interrogantes que plantean la abstracción, la serialización, la crítica institucional y la temporalidad que redefinieron y ampliaron las prácticas artísticas en la década de 1970. Si bien no es la primera vez que académicos y comisarios debaten sobre los posibles vínculos entre estos momentos clave de la historia del arte latinoamericano, sigue siendo un tema poco estudiado capaz de proporcionar aspectos decisivos para comprender la producción artística en la región.

Moderado por Gabriel Pérez Barreiro, el panel abordará los siguientes interrogantes: ¿Cómo interpretar la relación entre el arte concreto y el arte conceptual en América Latina? ¿Se trata de un vínculo de antagonismo, una reinvención y/o una continuidad? ¿Cómo han pensado los artistas en, entre y más allá de estos movimientos definidos históricamente? ¿Contiene el arte concreto el germen de las prácticas conceptuales, o el paso de un contexto desarrollista de posguerra a la caída de la democracia en la década de 1970 estableció un nuevo escenario en el que se resignificaron por completo tanto el arte como la política?

Participantes Beverly Adams es la Curadora Estrellita Brodsky de Arte Latinoamericano del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Antes de unirse al MoMA, fue Curadora de Arte Latinoamericano en el Museo Blanton de la Universidad de Texas, Austin. Durante su etapa en Blanton, Adams dirigió la reinstalación de las galerías de arte latinoamericano de la colección permanente en 2017 y desempeñó un papel fundamental en la adquisición de la colección de arte latinoamericano de la doctora Jacqueline Barnitz. Entre 2001 y 2013, fue Curadora de la Colección Diane y Bruce Halle, ocasión en la que ayudó a consolidar una de las colecciones privadas de arte latinoamericano moderno y contemporáneo más importantes de Estados Unidos. En colaboración con Natalia Majluf, ha organizado recientemente la exposición Redes de vanguardia - Amauta y América Latina, 1926–1930 (2019). El catálogo de esta exposición fue galardonado con el premio Association for Latin American Art Arvey Foundation Exhibition Catalogue Award.

Entre 1987 y 2012, María José Herrera desempeñó distintos puestos en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) de Argentina: de 2000 a 2012, fue Jefa del Departamento de Investigación y en 2008, fue designada Directora Artística interina por un año. Además, entre 2014 y 2018 se desempeñó como Directora General del Museo de Arte Tigre, en la provincia de Buenos Aires. Sus líneas de investigación giran en torno al arte contemporáneo, al arte argentino y a los estudios museísticos. En 2012 fundó el Grupo de Estudios sobre Museos y Exposiciones (GEME), dedicado a analizar el papel que desempeñan las exposiciones en la escritura de la Historia del arte. Como curadora, ha dirigido varias exposiciones nacionales e internacionales vinculadas a la abstracción, al arte conceptual y al arte pop argentino. En 2014, publicó Cien años de Arte argentino. Entre 2007 y 2016 fue presidenta de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (AACA-AICA). En la actualidad, es investigadora del Centro Materia, Cultura y Arte, y profesora de la Universidad Nacional Tres de Febrero (UNTREF).

Félix Suazo es profesor, investigador y comisario. En 1990 se graduó en el Instituto Superior de Arte de La Habana. Entre 2002 y 2003 realizó el Máster de Museología de la Universidad de Valladolid (España). Ha desarrollado tareas de investigación para la Galería de Arte Nacional (1997–2003) y el Museo de Arte Contemporáneo (2004–08) de Caracas. Desde 2007, forma parte del equipo curatorial de El Anexo/Arte Contemporáneo. Entre 2008 y 2013, fue coordinador de exposiciones y comisario en Periférico Caracas/Arte Contemporáneo. Entre 2015 y 2018 fue gerente de la Sala TAC. En 2018 fue nombrado comisario pedagógico de la 14ª Bienal de Cuenca en Ecuador.

Moderador Gabriel Pérez-Barreiro es asesor senior de la Colección Patricia Phelps de Cisneros en Nueva York y Caracas, tras haber sido su Director y Curador Jefe entre 2008 y 2018. Fue Curador Jefe de la 33ª Bienal de San Pablo, Brasil (2018) y curador del pabellón brasileño en la 58ª Bienal de Venecia (2019). Entre 2002 y 2008 fue Curador de Arte Latinoamericano en el Museo Blanton de la Universidad de Texas, Austin, y Director de Artes Visuales de The Americas Society en Nueva York. En 2007 fue Comisario General de la 6ª Bienal del Mercosur en Porto Alegre, Brasil. Es doctor en Historia y Teoría del Arte por la Universidad de Essex (Reino Unido), y ha publicado y dado numerosas conferencias sobre arte latinoamericano moderno y contemporáneo. Es además miembro de la Esthetical Society for Transcendental and Applied Realization.

Matters of Fact ha sido organizado con la colaboración de Harper Montgomery y Gabriel Pérez-Barreiro, ambos miembros del Consejo Asesor del Instituto Cisneros. Agradecimientos especiales a Daniel R. Quiles.

El programa se llevará a cabo en inglés y en español, con traducción simultánea.

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