Art and Ecology in Contemporary Latin America

Beginning in 2020 and continuing through 2023, the Cisneros Institute will conduct research on the relationships between art and the environment in contemporary Latin America. The project aims to address how artists, theoreticians, feminist thinkers, ecologists, and climate change activists, among many others, have been rethinking our relationship to territory, resources, and cultural traditions and proposing what seems to be a major cultural shift for the region in terms of its development.

As a preliminary framework, the Cisneros Institute has determined three exploratory themes that demonstrate the complexity and depth of this topic as it pertains to art. The first, “The Vernacular, the Telluric, and Ritual,” examines how contemporary artists use raw materials as evidence of a natural patrimony, and turn to traditional crafts and belief systems of indigenous cultures as a way to re-engage with the natural world. The second theme, “Interspecies, Empathy, and Awareness,” explores artists who question the assumed superiority of human over nonhuman actors (animals, plants, technology, and the planet as a whole). Finally, “Ecology, Sustainability, and Activism” focuses on artists who confront ecological crisis directly, whether by using advanced technology, condemning the commodification of natural resources, or explicitly engaging with local activist communities.

In order to document a history of recent artistic practices and theories, as well as to advance new knowledge on the topic, this project envisions a variety of methodologies and platforms for research. These include seminars and conferences in the United States, as well as workshops in different parts of Latin America, engaging artists, scholars, curators, lawyers, scientists, and ecologists in a choral and complex consideration of the topic.

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Investigación extendida

A partir del 2020 y a lo largo del 2023, el Instituto Cisneros está llevando a cabo una investigación sobre las relaciones entre arte y medio ambiente en la América Latina contemporánea. El proyecto aspira a abordar el modo en que artistas, teóricos, pensadoras feministas, ecologistas y activistas del cambio climático, entre muchos otros, han estado repensando nuestra relación con el territorio, los recursos y las tradiciones culturales, y proponiendo lo que pareciera ser un cambio cultural clave para el futuro de la región.

Como marco preliminar, el Instituto Cisneros ha determinado tres ejes de exploración que demuestran la complejidad y la profundidad de esta cuestión en lo que atañe al arte. El primero, “Lo vernáculo, lo telúrico y lo ritual”, estudia el modo en que los artistas contemporáneos utilizan los materiales como evidencia de un patrimonio natural, y se vuelcan hacia las artesanías tradicionales y los sistemas de creencias de las culturas originarias como una manera de conectar con la naturaleza y la vida en general de formas no destructivas. El segundo eje, “Interespecies, empatía y conciencia”, explora aquellos artistas que cuestionan la supuesta superioridad de los actores humanos sobre los no humanos (animales, plantas, tecnología y el planeta como un todo). Por último, “Ecología, sustentabilidad y activismo” se enfoca en los artistas que enfrentan la crisis ecológica en forma directa, ya sea mediante el uso de tecnología, la condena a la mercantilización de los recursos naturales o el compromiso explícito con comunidades activistas locales.

Con el fin de documentar una historia de las prácticas y teorías artísticas recientes, y a la vez promover nuevos conocimientos en la materia, este proyecto contempla una variedad de metodologías y plataformas de investigación. Estas incluyen seminarios y conferencias en Estados Unidos, además de talleres, en distintas partes de América Latina, que involucran a artistas, académicos, curadores, abogados, científicos y ecologistas en una reflexión coral y compleja sobre la cuestión.

Energies and Imaginations

Energies and Imaginations brought together scholars, artists, architects, and designers to reflect and speculate on the perils and potentials of energy transitions in Latin America. How are creative practices harnessing the material, social, and spiritual dimensions of energy, and drawing upon the imagination of renewal at the current ecological crossroads? How might collective aspirations and artistic imaginations reframe questions of futures in transition?

This initiative was a collaboration between curators and scholars from the Cisneros Institute at The Museum of Modern Art, New York; Dumbarton Oaks; DRCLAS Art Film and Culture Program; the Mellon Urban Initiative at Harvard University; and the Harvard Department of History of Art and Architecture. In 2021, these organizations collectively organized the online research seminar Recreating Territories: Art and Urban Imaginations, a series of conversations with scholars, artists, and designers to reflect on urban territories in Latin America amid an intensification of ecological and political crises. It is also part of a longstanding research topic of the Cisneros Institute, on questions of art and ecology in contemporary Latin America.

The panel was structured in two parts: a first session will feature short presentations by guest scholars and artists, followed by a roundtable discussion and an open Q&A with the public.


Pedro Ignacio Alonso holds a PhD in architecture from the Architectural Association School of Architecture, London, and heads the PhD program in architecture and urban studies at Pontificia Universidad Católica de Chile. He was a Princeton-Mellon Fellow at Princeton University in 2015–16, and was resident architect at the Rockefeller Foundation Bellagio Centre in 2019. With Hugo Palmarola, he was awarded the 2014 Silver Lion for the Chilean Pavilion Monolith Controversies at the Venice Architecture Biennale, and they received the 2014 Deutsches Architekturmuseum (DAM) Book Award for their companion book. Alonso and Palmarola also published the book Panel (2014), curated the exhibition Flying Panels: How Concrete Panels Changed the World at the Swedish Centre for Architecture and Design in 2019–20, and are the curators, together with Eden Medina, of the upcoming exhibition How to Design a Revolution: The Chilean Road to Design in Santiago’s La Moneda Cultural Center (2023–24).

Cara Daggett is an associate professor of political science at Virginia Tech. She researches the politics of energy and the environment, feminist studies of science and technology, and histories of empire. Her book The Birth of Energy: Fossil Fuels, Thermodynamics, and the Politics of Work (2019) was awarded the Clay Morgan Award for best book in environmental political theory and the Yale H. Ferguson Book Award from the International Association Northeast, and has been translated into multiple languages. Her work has been published in journals including Environmental Politics, Energy Research & Social Science, Millennium: Journal of International Studies, and the International Feminist Journal of Politics. She has also enjoyed public-facing writing, podcasting, and engagements with artists and architects around questions of energy, and especially how human activities are organized and valued.

Jota Mombaça is an interdisciplinary artist whose work unfolds in a variety of mediums. The sonic and visual matter of words plays an important role in her practice, which often relates to anticolonial critique and gender disobedience. Her work has been presented in several institutional frameworks, such as the 32nd and 34th São Paulo Biennale (2016 and 2020/2021), the 22nd Sydney Biennale (2020), the 10th Berlin Biennale (2018), and the 46th Salon Nacional de Artistas in Colombia (2019). Currently, she is interested in researching elemental forms of sensing, anticolonial imagination, and the relation between opacity and self-preservation in the experience of racialized trans artists in the global art world.

Marina Otero Verzier is head of the social design masters program at Design Academy Eindhoven. In 2022 she received Harvard University’s Wheelwright Prize for a project on the future of data storage. From 2015 to 2022, she was the director of research at Het Nieuwe Instituut, where she led initiatives focused on labor, extraction, and mental health from an architectural and post-anthropocentric perspective. Previously, she was director of global network programming at Studio-X, Columbia University GSAPP, in New York. Otero has curated exhibitions such as Compulsive Desires: On Lithium Extraction and Rebellious Mountains, at Galería Municipal do Porto in 2023; Work, Body, Leisure, the Dutch Pavilion at the Venice Architecture Biennale in 2018; and After Belonging, the Oslo Architecture Triennale in 2016. She is co-editor of Automated Landscapes (2023), Lithium: States of Exhaustion (2021), More-than-Human (2020), Architecture of Appropriation (2019), Work, Body, Leisure (2018), and After Belonging (2016), among others.

Naufus Ramírez-Figueroa’s multidisciplinary work incorporates performance, sound, drawing, and sculpture, exploring themes of loss, displacement, and cultural resistance. Recurring subjects include the Guatemalan Civil War, approached with an absurd and humorous touch that never diminishes its historical weight. His work has been presented in solo and group exhibitions at The Museum of Modern Art, New York; Museo de Arte Moderno de Medellín and Bogotá; Museum Leuven; Times Art Center, Berlin; Thyssen-Bornemisza, Madrid; The Power Plant and Toronto Biennial of Art, Toronto; Sala de Arte Público Siqueiros, Mexico City; New Museum, New York; daadgalerie, Berlin; CAPC musée d’art contemporain, Bordeaux; Venice Biennale; Haus Esters, Krefeld Kunstmuseum; Gasworks, London; Lyon Biennale; Gwangju Biennale; and Tate Modern, London, among others. He is the recipient of fellowships from the Guggenheim, Inga Maren Otto, Artpace Residency, Mies Van Der Rohe prize, Franklin Furnace award, Akademie Schloss Solitude, and the DAAD Berlin Artists-in-Residence fellowship. He holds a BFA from Emily Carr University and an MFA from the School of the Art Institute of Chicago, with a research fellowship at Jan van Eyck Academy in 2013. He is based in Guatemala City.

Elizabeth Wagemann is the director of the City and Territory Lab (LCT) at Universidad Diego Portales, Chile. She is an architect and holds an MA in architecture from the Universidad Católica (Chile) and an MPhil and PhD in architecture from the University of Cambridge. Her research focuses on post-disaster housing, resilience, and sustainable development. Her presentations include the TEDx “From Shelter to Home after Disasters” (2018) and “Living with Uncertainty” at Congreso Futuro (2019). She has published several articles on post-disaster housing and is co-author of Disaster Risk Reduction Including Adaptation to Climate Change for Housing and Settlements (2017) and Resilience, Reconstruction and Sustainable Development in Chile (2019). She has been a research associate at the University of Cambridge, a postdoctoral researcher at CEDEUS and CIGIDEN (Chile), a professor at Universidad Católica (Chile), Universidad Mayor (Chile), and Pontificia Universidad Católica del Ecuador (PUCE), and a visiting professor at University College London.

Respondents and moderators

Bruno Carvalho researches and teaches on the history and experiences of urbanization. He is currently writing The Invention of the Future: A Transatlantic History of Urbanization, about the competing and shared aspirations of city dwellers and urban planners throughout modernity. Carvalho authored the award-winning Porous City: A Cultural History of Rio de Janeiro, published in Brazil in an expanded edition. He has co-edited multiple books and published on topics related to cities, politics, the visual arts, and literature. Carvalho co-edits the book series Lateral Exchanges, on the built environment. At Harvard University, Carvalho is professor of Romance languages and literatures and African and African American studies; affiliated professor in urban planning and design at the Graduate School of Design; co-director of the Harvard Mellon Urban Initiative; and co-chair of the Art, Film, & Culture Committee at the David Rockefeller Center for Latin American Studies.

Thomas B. F. Cummins is the Dumbarton Oaks Professor of the History of Pre-Columbian and Colonial Art in Harvard University’s Department of the History of Art and Architecture, and director of the Dumbarton Oaks Institute. He is the author, editor, or co-editor of 10 books, the latest of which is Sacred Matters: Animacy and Authority in the Americas (2020), co-edited with Steve Koisiba and John Janusek. Cummins served as the director of the University of Chicago Center for Latin American Studies, the interim director of the David Rockefeller Center for Latin American Studies at Harvard, the chair of the Department of History of Art and Architecture, and a member of the Comisión Sectorial del Sistema Nacional de Museos, Perú. He is a faculty member of the Afro-Latin American Research Institute at the Hutchins Center for African & African American Research at Harvard University, where he is co-directing, with Alejandro de la Fuente, a three-year international seminar, “Afro-Latin American Art: Building the Field,” funded by a generous Getty Foundation Connecting Art History Grant. Cummins is a fellow of the American Academy of Arts and Sciences.

Inés Katzenstein joined The Museum of Modern Art in 2018 as curator of Latin American Art and the inaugural director of the Patricia Phelps de Cisneros Research Institute for the Study of Art from Latin America. In her role as curator, she helps conceive the Museum’s collection displays, and heads the Latin American and Caribbean Fund, which is dedicated to acquisitions from the region. She has organized two major exhibitions based on the Patricia Phelps de Cisneros Gift: Sur moderno: Journeys of Abstraction (2018, with Maria Amalia García) and Chosen Memories (2023), and was a member of the curatorial team for Greater New York in 2021. From 2008 to 2018 she was the founding director of the art department at Universidad Torcuato Di Tella, in Buenos Aires, where she created and oversaw an educational program for artists and curators, as well as an exhibition program. Previously, she was curator at Malba-Fundación Costantini, and the editor of Listen Here Now! Argentine Art of the 1960s: Writings of the Avant-Garde, published by MoMA in 2004. She holds a master’s degree from the Center for Curatorial Studies at Bard College, and a BA from the Universidad de Buenos Aires.

Patricio del Real is an architectural historian who works on modern architecture and its transnational connections with cultural institutions, specifically focused in the Americas. Currently an associate professor of the history of art and architecture at Harvard University, he writes and researches on bilateral relationships between racial and cultural imaginaries, stories, and ideologies in the 20th century. He teaches on the ways in which modernism shaped global political and cultural power in such courses as “Making Buildings Beautiful, Architecture and Authoritarianism” and “Mestizo Nations: Architecture in Mexico and Brazil.” His new book, Constructing Latin America: Architecture, Politics, and Race at the Museum of Modern Art, analyzes the way architecture exhibitions were mobilized as cultural weapons during the era of pan-Americanism. He is currently working on his next book, which rethinks the concept of utopia in architecture by looking at alternative building and spiritual practices in the 20th century that developed responses to the universalist mandate of technological modernity, with a particular emphasis on Chile’s Valparaiso School of architecture.

Thaisa Way is the director of the Garden & Landscape Studies and principal investigator for the Mellon-funded Initiative “Democracy and Landscape: Race, Identity, and Difference” at Dumbarton Oaks Research Library and Collection, a Harvard University research institution located in Washington, DC. She teaches at the Graduate School of Design, Harvard University, and is professor emerita at the College of Built Environments, University of Washington, where she was also the founding director of Urban@UW, an initiative to bring together over 400 scholars to advance knowledge of urban futures. As a landscape historian, Way was awarded the Rome Prize in Landscape Architecture at the American Academy in Rome in 2016 and was a resident scholar in 2023. Her multiple publications (including six books) foreground questions of history of the design professions and how gender and race have shaped our landscapes. She holds a PhD in architectural history and urbanism from Cornell University and a master’s of architectural history from the University of Virginia.

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Energías e imaginación: Hipótesis para un presente en transición

Energías e imaginación reunió a académicos, artistas, arquitectos y diseñadores para reflexionar y especular sobre las posibilidades y los peligros de la transición energética en América Latina. ¿De qué forma las prácticas creativas están usando las dimensiones materiales, sociales y espirituales de la energía, y aprovechando el imaginario de la renovación en la actual encrucijada ecológica? ¿Cómo las aspiraciones colectivas y los imaginarios artísticos pueden reformular los interrogantes que abre el futuro de la transición?

Esta iniciativa fue una colaboración entre curadores y académicos del Instituto Cisneros del Museo de Arte Moderno de Nueva York, Dumbarton Oaks, el Art Film and Culture Program del DRCLAS, la Mellon Urban Initiative de la Universidad de Harvard, y el Departamento de Historia del Arte y Arquitectura de Harvard. En 2021, organizaron de forma conjunta el seminario de investigación en línea Recreating Territories: Art and Urban Imaginations, una serie de conversaciones con académicos, artistas y diseñadores para reflexionar sobre los territorios urbanos en América Latina en el contexto de la intensificación de las crisis ecológicas y políticas. Esta iniciativa además forma parte del ya tradicional tema de investigación del Instituto Cisneros en torno al arte y la ecología en la América Latina contemporánea.

El encuentro estuvo dividido en dos partes: una primera sesión con breves presentaciones de los académicos y artistas invitados; y luego una mesa redonda y un intercambio abierto de preguntas y respuestas con el público.


Pedro Ignacio Alonso es doctor en arquitectura por la Architectural Association School of Architecture de Londres y dirige el programa de doctorado en Arquitectura y Estudios Urbanos de la Pontificia Universidad Católica de Chile. En 2015-2016 fue becario Princeton-Mellon en la Universidad de Princeton, y en 2019, arquitecto residente en el Centro Bellagio de la Fundación Rockefeller (Bellagio). Junto a Hugo Palmarola, fue galardonado con el León de Plata 2014 por el pabellón chileno Monolith Controversies en la Bienal de Arquitectura de Venecia, y recibieron el Deutsches Architekturmuseum (DAM) Book Award 2014 por su libro complementario (Hatje Cantz, 2014). Alonso y Palmarola también publicaron el libro Panel (2014), en 2019-2020 curaron la exposición Flying Panels: How Concrete Panels Changed the World en el Swedish Centre for Architecture and Design, y son los curadores –junto a Edén Medina– de la próxima exposición How to Design a Revolution: The Chilean Road to Design en el Centro Cultural La Moneda de Santiago (2023-2024).

Cara Daggett es profesora adjunta de Ciencias Políticas en Virginia Tech. Se dedica a la investigación en temas de política energética y del medio ambiente, a los estudios feministas sobre ciencia y tecnología, y a historias imperialistas. Su libro The Birth of Energy: Fossil Fuels, Thermodynamics, and the Politics of Work (2019) fue galardonado con el Clay Morgan Award al mejor libro de teoría política medioambiental y con el Yale H. Ferguson Book Award de la International Association Northeast, y traducido a varios idiomas. Ha publicado artículos en revistas como Environmental Politics, Energy Research & Social Science, Millennium: Journal of International Studies y en la International Feminist Journal of Politics. También ha escrito para el público en general, ha participado en podcasts y ha colaborado con artistas y arquitectos en cuestiones relacionadas a la energía–especialmente en la organización y valoración de las actividades humanas.

Jota Mombaça es una artista interdisciplinar que desarrolla su obra en una gran variedad de medios. La materia sonora y visual de las palabras desempeña un papel importante en su práctica, que a menudo está vinculada a la crítica anticolonial y a la desobediencia de género. Ha expuesto obra en varios marcos institucionales, como la 32ª y 34ª Bienal de São Paulo (2016 y 2020/2021), la 22ª Bienal de Sídney (2020), la 10ª Bienal de Berlín (2018) y el 46º Salón Nacional de Artistas de Colombia (2019). Actualmente está interesada en investigar los mecanismos elementales de la percepción, la imaginación anticolonial y la relación entre opacidad y autoconservación en la experiencia de artistas trans racializados en el mundo del arte a nivel global.

Marina Otero Verzier dirige el Máster en Diseño Social de la Design Academy Eindhoven. En 2022 recibió el Wheelwright Prize de Harvard por un proyecto sobre el futuro del almacenamiento de datos. Entre 2015 y 2022 fue directora de Investigación del Het Nieuwe Instituut, donde dirigió diversas iniciativas que giraban en torno al trabajo, la extracción de recursos y la salud mental desde una perspectiva arquitectónica y post antropocéntrica. Antes, fue directora del Global Network Programming en Studio-X, GSAPP, de la Universidad de Columbia, en Nueva York. Otero ha curado las exposiciones “Compulsive Desires: On Lithium Extraction and Rebellious Mountains” en la Galería Municipal do Porto (2023); “Work, Body, Leisure”, el Pabellón Holandés en la Bienal de Arquitectura de Venecia (2018); y “After Belonging”, en la Trienal de Arquitectura de Oslo (2016). Entre otros, ha coeditado Automated Landscapes (2023); Lithium: States of Exhaustion (2021); More-than-Human (2020); Architecture of Appropriation (2019); Work, Body, Leisure (2018) y After Belonging (2016).

El trabajo multidisciplinar de Naufus Ramírez-Figueroa incluye la performance, el sonido, el dibujo y la escultura, y explora temas como la pérdida, el desplazamiento y la resistencia cultural. Entre los motivos más recurrentes en su obra se encuentra la Guerra Civil guatemalteca, abordada con un toque de lo absurdo y el humor que jamás reduce su peso histórico. Ha exhibido obra en exposiciones individuales y colectivas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York; Museo de Arte Moderno de Medellín y Bogotá; Museum Leuven; Times Art Center (Berlín); Thyssen-Bornemisza (Madrid); The Power Plant y Toronto Biennial Of Art (Toronto); Sala de Arte Público Siqueiros (Ciudad de México); New Museum (Nueva York); daadgalerie (Berlín); CAPC musée d’art contemporain (Burdeos); Bienal de Venecia; Haus Esters, Krefeld Kunstmuseum; Gasworks (Londres); Bienal de Lyon; Bienal de Gwangju; Tate Modern (Londres), entre otros. Ha recibido becas del Guggenheim, Inga Maren Otto, Artpace Residency, el premio Mies Van Der Rohe, el premio Franklin Furnace, la Akademie Schloss Solitude y la beca Artists-in-Residence del DAAD de Berlín. Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Emily Carr y máster en Bellas Artes por la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, con una beca de investigación otorgada por la Jan van Eyck Academy (2013). Reside en la ciudad de Guatemala.

Elizabeth Wagemann es directora del Laboratorio Ciudad y Territorio (LCT) de la Universidad Diego Portales (Chile). Es arquitecta y tiene un máster en Arquitectura por la Universidad Católica (Chile), y un máster y un doctorado en Arquitectura por la Universidad de Cambridge (Reino Unido). Su investigación gira en torno a temas de vivienda post emergencias, resiliencia y desarrollo sostenible. Entre sus presentaciones públicas se encuentran las charlas TEDx “From shelter to home after disasters” (2018) y “Living with uncertainty” en Congreso Futuro (2019). Ha publicado varios artículos sobre vivienda post emergencias y es coautora de “Disaster Risk Reduction including adaptation to climate change for housing and settlements” (2017) y “Resilience, reconstruction and sustainable development in Chile” (2019). Ha sido investigadora adjunta en la Universidad de Cambridge, investigadora postdoctoral en CEDEUS y CIGIDEN (UC), profesora en la Universidad Católica (Chile), en la Universidad Mayor (Chile), en la Pontificia Universidad Católica del Ecuador (PUCE) y profesora invitada en el University College London (Reino Unido).


Bruno Carvalho investiga y da clases sobre historia y experiencias de urbanización. Está escribiendo The Invention of the Future: A Transatlantic History of Urbanization, sobre las aspiraciones que los habitantes de las ciudades y los urbanistas han compartido y las que se han opuesto a lo largo de la modernidad. Carvalho es autor del premiado Porous City: A Cultural History of Rio de Janeiro, publicado en Brasil en una edición ampliada. Ha coeditado varios libros y publicado artículos sobre temas relacionados a la ciudad, a la política, a las artes plásticas y a la literatura. Carvalho es coeditor de la serie de libros Lateral Exchanges, que tratan sobre los entornos construidos. En Harvard, Carvalho es catedrático de Lenguas y Literaturas Romances y de Estudios Africanos y Afroamericanos; profesor adjunto de Planificación y Diseño Urbano en la Graduate School of Design, codirector de la Harvard Mellon Urban Initiative y copresidente del Comité de Arte, Cine y Cultura del Centro David Rockefeller de Estudios Latinoamericanos.

Thomas B. F. Cummins es Catedrático Dumbarton Oaks de Historia del Arte Precolombino y Colonial en el Departamento de Historia del Arte y Arquitectura de la Universidad de Harvard, y director del Dumbarton Oaks Institute. Es autor, editor o coeditor de diez libros, el último de los cuales es Sacred Matters: Animacy and Authority in the Americas, coeditado junto a Steve Koisiba y John Janusek, y publicado por Dumbarton Oaks (2020). Cummins ha sido director del Centro de Estudios Latinoamericanos de la Universidad de Chicago, director interino del Centro David Rockefeller de Estudios Latinoamericanos de Harvard, catedrático del Departamento de Historia del Arte y Arquitectura y miembro de la Comisión Sectorial del Sistema Nacional de Museos de Perú. Es miembro docente del Instituto de Investigación Afro-latinoamericano del Centro Hutchins de Investigación Africana y Afroamericana de la Universidad de Harvard, donde co-dirige –junto al profesor Alejandro de la Fuente– el seminario internacional de tres años de duración “Afro-Latin American Art: Building the Field”, financiado por la generosa beca Connecting Art History de la Fundación Getty. El profesor Cummins es miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias.

Inés Katzenstein se incorporó al Museo de Arte Moderno en 2018 como Curadora de Arte Latinoamericano y primera directora del Instituto de Investigación Patricia Phelps de Cisneros para el Estudio del Arte de América Latina. En su rol de curadora, ayuda a conceptualizar las exposiciones de la colección del Museo y dirige el Fondo para América Latina y el Caribe, dedicado a la adquisición de obras de la región. Ha organizado dos importantes exposiciones sobre la base de la Donación Patricia Phelps de Cisneros: Sur moderno: Journeys of Abstraction en 2018 (junto a María Amalia García) y Chosen Memories en 2023, y ha participado en el equipo curatorial de Greater New York en 2021. Entre 2008 y 2018 fue directora fundadora del Departamento de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella en Buenos Aires, donde creó y supervisó un programa educativo para artistas y comisarios, así como un programa de exposiciones. Antes, fue curadora del Malba-Fundación Costantini y editora de Listen Here Now! Argentine Art of the 1960s: Writings of the Avant-Garde, publicado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 2004. Es Master por el Center for Curatorial Studies de Bard College y Licenciada por la Universidad de Buenos Aires.

Patricio del Real es un historiador de la arquitectura que se dedica a la arquitectura moderna y sus conexiones transnacionales con las instituciones culturales, en especial en el continente americano. Actualmente es profesor adjunto de Historia del Arte y Arquitectura en la Universidad de Harvard; escribe e investiga sobre las relaciones recíprocas entre los imaginarios, las historias y las ideologías raciales y culturales en el siglo XX. Da clases sobre las distintas formas en que el modernismo configuró el poder político y cultural global en cursos como Making Buildings Beautiful, Architecture and Authoritarianism y Mestizo Nations: Arquitectura en México y Brasil. Su nuevo libro Constructing Latin America: Architecture, Politics, and Race at the Museum of Modern Art examina el modo en que las exposiciones de arquitectura fueron utilizadas como armas culturales durante la era del panamericanismo. Actualmente se encuentra trabajando en su próximo libro, en el que replantea el concepto de utopía en la arquitectura analizando las prácticas de construcción y espirituales alternativas del siglo XX que aportaron respuestas al mandato universalista de una modernidad tecnológica, con especial atención a la Escuela de Arquitectura de Valparaíso, en Chile.

Thaisa Way es directora de los Estudios de Jardinería y Paisajismo e Investigadora Principal de la iniciativa financiada por el Mellon “Democracy and Landscape: Race, Identity, and Difference” en la Dumbarton Oaks Research Library and Collection, institución de investigación perteneciente a la Universidad de Harvard, ubicada en Washington DC. Es profesora de la Graduate School of Design de la Universidad de Harvard y catedrática emérita del College of Built Environments de la Universidad de Washington, donde además fue directora fundadora de Urban@UW, una iniciativa que reúne a más de cuatrocientos académicos con la intención de impulsar el conocimiento del futuro urbano. Como historiadora del paisaje, la Dra. Way fue galardonada en 2016 con el Rome Prize en arquitectura del paisaje otorgado por la Academia Norteamericana de Roma y en 2023, seleccionada como becaria residente. Sus numerosas publicaciones (entre las que se encuentran seis libros) abordan cuestiones vinculadas a la historia de las profesiones del diseño, y a cómo el género y la raza han dado forma a nuestros paisajes. Es doctora en Historia de la Arquitectura y Urbanismo por la Universidad de Cornell y máster en Historia de la Arquitectura por la Universidad de Virginia.

El canto de la Yerba Bruja
Jorge González conducting the workshop ‘Hilando Juntxs. Espacio de estar’ which focused on traditional weaving techniques of Colombian women from the Barichara region.

June 7-11, 2022

Translated from Spanish by Christopher Winks

Part of our study of art from Latin America that addresses the environmental movement of the last decades, El canto de la Yerba Bruja was a closed-door research workshop held in Mexico City and Valle de Bravo this past June.

Through case studies of four key Latin American artists who engage in what we defined, collectively, as “longing practices,” the workshop explored how traditional Indigenous knowledge influences contemporary healing and ritualistic practices, as well as craft-making and sound works. The encuentro, or gathering, revived and expanded these cultural expressions with our critical ecological present in mind.

Taking place in the semi-rural setting of Valle de Bravo, west of Mexico City, the workshop featured the discursive and embodied practices of artists Jorge González (Puerto Rico), Bernardo Zabalaga (Bolivia/Argentina), Alia Farid (Puerto Rico/Kuwait), and Ariel Guzik (Mexico).

Organized with curators Michy Marchuax and Mauricio Marcín, El canto de la Yerba Bruja proposed collective, experimental research to find better lifestyles that revisit devalued cultural heritages. We aimed to take these as a springboard to create new ways of being together.

Read a conversation between Ariel Guzik, Catalina Júarez and Julián Sánchez González.

Jorge González and Alejandra Domínguez (Puerto Rico)
Bernardo Zabalaga (Bolivia-Argentina)
Alia Farid (Puerto Rico-Kuwait)
Ariel Guzik and Catalina Juárez (Mexico)

With the participation of
Colectivo Prácticas Narrativas (Mexico)
David Gutiérrez Castañeda (Colombia-Mexico)

Guest Curators
Michy Marchuax (Puerto Rico)
Mauricio Marcín (Mexico)

Songs and Encounterisms by Michy Marxuach and Mauricio Marcín

Julián Sánchez González observing the piece Cápsula Nereida in Ariel Guzik’s studio in CDMX.

Today, it’s our turn to speak. Today, what we can say and tell is that a few weeks ago, the chickens, horses, magueys, and goats received us in silence. Calmly, Silvia approached and said: Welcome to Flor y Canto (Flower and Song). Flor y Canto means the art of living, and it requires continuous experimentation through creativity and self-directed apprenticeship. It is an ancestral philosophy wherein the beautiful and the true are manifested through the song that comes from our hearts.

And in this way, perhaps, El canto de la Yerba Bruja began, although we could say that it comes from afar, from before, and that like every seed it has taken its time to flower, that it has been shaping itself like a clay jar through the slow cooking of time.

Before now, we began collectively to learn healing processes while embarking on a planetary solidarity. Together with projects that continue to be born every day, and looking at the sun, we attempted to practice a world in resonance with beings from whom the modern system and the structures of capital have separated us.

We have identified common commitments while continuing to write as an ensemble. We share here a series of notes and intuitions we are confident about, born out of these collaborative episodes.

El canto de la Yerba Bruja was/is quietude under the shadow of a tree, a listening space, a path which has been walked and continues, resistance and longing. It is/was an interchange of feelings and experiences, of investigations that offer us knowledge rooted in the earth and in respect. The song of the Yerba Bruja (Witchgrass) is a constant encounterism between existences.

Bernardo Zabalaga jumping the rope as part of his workshop ‘Lugar de tentativas’, a series of sensorial engagements focusing on bodily consciousness.

Among those invited were Alia Farid, Jorge González, Ariel Guzik, and Bernardo Zabalaga.

Alia conveys stories unanchored in the domain of Western languages and that navigate outside commercial routes. Transposing symbols generated in colonized territorial spaces shares and brings to light rarely told stories and establishes reconstructive interchanges of the processes of erasures that do violence to beings, zeroing in on untold stories.

Not only symbolically but literally, Alia weaves images and sounds for new solidarities. Through observation and listening, she aims to constellate a dialogue and highlights the interpretation of various forms of strategies of communication and cultural contagion produced by reuniting and transposing knowledges between territories where beings have been displaced. Communication between a buffalo and a community, or between a weaver and an image chosen from diaspora, shatters narratives of occupied history.

Jorge González nourishes himself on oral histories and ancestral techniques, by way of shared collective practices. La Escuela de Oficios (The School of Trades), which he created in Puerto Rico, connects and practices models of self-directed education and explores convivial and communitarian forms of production. He emphasizes relationships with materials and territory, focusing especially on relearning forms that have been deliberately erased or forgotten. With this, he embarks on a continuous process in order to reconnect, recognize, and repair relationships with the cycles of life among beings.

Ariel Guzik is the founder of the Laboratorio de Investigación en Resonancia y Expresión de la Naturaleza (Laboratory of Research into Resonance and Expression of Nature) in Mexico City, through which he has created different machines and instruments enabling communication between humans and other life forms: from cetaceans such as whales and dolphins to various plant species, and other natural phenomena like the wind and magnetic fields.

By means of these machines, the Laboratory carries out investigations and artistic expeditions in which the apparatuses are activated with the intention of giving voice to nature through sound and music. His works propose a radically different position from anthropocentrism, because rather than locate the human being at the center of existence, he postulates a way of living together in which all beings on this planet contribute equally to its equilibrium and form part of the infinite web of relationships that shape life.

Bernardo Zabalaga practices a constant tuning of life processes, assembling the most luminous energies. His project shows us worlds buried by colonial logic and investigates various forms of calling upon magic and actions of power in daily life in order to rethink forms of being that connect us to the energy that makes it possible to unite fissures and cracks between dimensions that have been separated by our modern reading of the world. Bernardo is a new/old spirit who disinters wisdom, asking the mountains for permission, who brings songs of other dimensions in order to bestow harmony.

Together with these four, we harmonize into a group of heterogeneous encounterists in order to say:

We think that the breath animating and uniting us is a way of understanding the world. Through encounterism, we can verbalize the desire for re-enchantment, even when today it seems illusory to do so after so much forgetting: How many rituals have we stopped practicing? How many dreams have we stopped having and remembering? How many technologies and ways of knowledge have we forgotten and how much incomprehension of “resources” have we assimilated? Meanwhile, the world of linear time marches on, wagering on meaningless, abysmal accumulation, and the strata continue to cement colonial memory.

What would happen if we allowed ourselves to be impregnated by other visions, aromas, clouds of smoke, textures, and modes of hearing? Isn’t there, in this, a possibility of inhabiting spaces and faculties we have ignored? We are intuiting a form that will detach us from the dominant structures’ way of understanding.

We believe in the possibility of generating co-conspirators and bringing about worlds and reorganizing us into new routines and relationships in order to work towards other ways of life and other narratives, other possibilities for invention. The beings and collectives brought together in the Canto de la Yerba Bruja have taught us, through their practice that spills over into daily life, that it is possible to challenge technologies, harmonize our existence with natural systems and their rhythms, and recall other ways of relating to life that we can work towards and practice.

Today we believe that a planetary understanding is born from a territorial consciousness. Our territorial consciousness is not that of the hegemonic geopolitics that designates borderlines and domains, but a collective intention that implicates us in the understanding of heterogeneous worlds that live together. Ours is a consciousness of life and death in being, of existence in relation and of vigilance over the displacements that separate, conceal, and occupy by violating lands, bodies, beings.

We are venturing a way of embodying ourselves in time while disdaining others. We see ourselves obligated to take a position, and we do so with humility and imagination. We want to live outside linear time, because development and progress do not nourish us. We do not want to cling to the Aristotelian structure that narrates the world as a conflict or a curve in which a problem appears, develops itself, and concludes. If we had to translate our desire into a representation, we would say that we are walking like this:

Or better:

A circle that deviates shortly before its closure.

This iterated image suggests a rope fastened at its two extremes and waved in such a way as to create a spiral. If we eliminate from our minds the idea of the two extremes of the rope, the spiral predictably becomes infinite.

We desire to be more of what has been disdained: the electromagnetic signal that brings a voice to the other side of the planet, a tender herb opening a path towards the sky and the center of the earth; we are that inverted mirror, we are practitioners of longing, we are the dream of whales, we are their sonar irradiations, we are rite and ceremony, the beat of a drum, the accelerated heartbeat of a hummingbird or a feverish child, we are the moist virtue of weeping. We are flower and so many songs of such joy as not to fit into classifications, categories, or definitions. We are everything old that engenders and renews itself. We are also contradiction and fear amidst the ruins. We have no answers and we offer these words with humility, and we also offer an attentive ear.

Our practices embody hyper-complex and essential interactions (opposites are possible in our worlds) with the ecologies in which we are embedded like seeds in a fabric. We remember. We conspire. We breathe consciously with all our strengths. We open ourselves to the flux and insistence of life, and this certainty enlivens us as we disappear into solidarity and calmly reappear.

The song of the Witchgrass was/is a permeable mode that for now implicates: Alia Farid, Bernardo Zabalaga, Escuela de Oficios (Jorge González & Alejandra Domínguez), Laboratorio de Investigación en Resonancia y Expresión de la Naturaleza (Ariel Guzik, Katalina Juarez Oechler & Luz Ma Sandoval), Panósmico (Mariana Mañón & Manolo Larrosa), Alfonso Díaz, Andrés Solís, David Gutiérrez Castañeda, Dominique Ratton Pérez, El Humedal, El Semillero, Inés Katzenstein, Julián Sánchez González, María del Carmen Carrión, Maru Calva, Mauricio Marcin, Michy Marxuach, Nattan Guzmán, Santi Carsolio, Silvia García Martin, and Val Montenegro.

Leer en español

Como parte de nuestro estudio de las artes de América Latina que aborda el movimiento ambiental de las últimas décadas, El Canto de la Yerba Bruja fue un taller de investigación a puerta cerrada que se llevó a cabo en la Ciudad de México y Valle de Bravo el pasado mes de junio.

A través de casos estudios de cuatro artistas latinoamericanos claves, quienes se dedican a lo que definimos colectivamente como “prácticas de anhelo”, el taller exploró la forma en que los conocimientos indígenas tradicionales influyen en prácticas curativas y ritualisticas contemporáneas, así como en la elaboración de artesanías y obras sonoras. El “encuentro”, o reunión, revivió y amplió estas expresiones culturales, teniendo en cuenta nuestro presente ecológico crítico.

El taller tuvo lugar en el entorno semi rural del Valle de Bravo, al oeste de la Ciudad de México. En él se contó con las prácticas discursivas y corporales de los artistas Jorge González (Puerto Rico), Bernardo Zabalaga (Bolivia-Argentina), Alia Farid (Puerto Rico-Kuwait) y Ariel Guzik (México).

Organizado con los curadores Michy Marchuax y Mauricio Marcín, El Canto de la Yerba Bruja propuso una investigación colectiva y experimental para encontrar estilos de vida más propicios para revisar los desvalorizados patrimonios culturales. Nos propusimos tomarlas como punto de partida para crear nuevas formas de estar juntos.

Leer una conversación entre Ariel Guzik, Catalina Júarez and Julián Sánchez González.

Jorge González y Alejandra Domínguez (Puerto Rico)
Bernardo Zabalaga (Bolivia-Argentina)
Alia Farid (Puerto Rico-Kuwait)
Ariel Guzik y Catalina Juárez (México)

Con la participación de
Colectivo Prácticas Narrativas (México)
David Gutiérrez Castañeda (Colombia-México)

Curadores invitados
Michy Marchuax (Puerto Rico)
Mauricio Marcín (México)

Cantos y encuentrismos por Michy Marxuach y Mauricio Marcín

Hoy tomamos la palabra. Hoy, lo que podemos decir y contar es que hace unas semanas las gallinas, los caballos, los magueyes y las cabras nos recibieron en silencio. Llena de calma se acercó Silvia y dijo: Bienvenidxs a Flor y Canto. Flor y Canto significa el arte de vivir, y requiere un experimentar continuo a través de la creatividad y el aprendizaje auto-dirigido. Es una filosofía ancestral en la que lo bello y lo verdadero se manifiestan a través del canto que proviene de nuestro corazón.

Así, quizás, inició El canto de la Yerba Bruja, aunque podríamos decir que viene de lejos, de antes, que como toda semilla ha dilatado para brotar, que se ha ido construyendo como jarro de barro con el lento cocinar del tiempo.

Comenzamos, antes de hoy, aprendiendo en colectividad procesos de sanación encaminados a una solidaridad planetaria. Junto a proyectos que siguen naciendo todos los días y mirando el sol, intentamos practicar un mundo en resonancia con seres de los cuales el sistema moderno y las estructuras del capital nos han separado.

Hemos identificado compromisos en común mientras continuamos escribiendo en conjunto. Compartimos, aquí, una serie de notas e intuiciones en las que confiamos, que nacieron de estos episodios confabulados.

El canto de la Yerba Bruja fue/es quietud bajo la sombra de un árbol, espacio de escucha, camino que se ha caminado y continua, resistencia y anhelo. Es/fue intercambio de sentidos y de experiencias, de investigaciones que nos ofrendan conocimientos arraigados a la tierra y al respeto. El canto de la Yerba Bruja es un constante encuentrismo entre existencias.

Entre lxs convocadxs estuvieron Alia Farid, Jorge González, Ariel Guzik y Bernardo Zabalaga.

Alia es una transbordadora de historias que no están ancladas en el dominio de la lengua occidental, y que navegan fuera de las rutas comerciales. Trasladando símbolos generados en espacios de territorios que han sido colonizados comparte y hace visible las historias poco contadas y establece reconstrucciones de intercambios de los procesos de borraduras que violentan a los seres puntualizando sobre historias no contadas.

Alia teje no solo simbólicamente sino literalmente imágenes y sonidos para nuevas solidaridades. A través de la observación y la escucha pretende constelar un diálogo y resaltar la interpretación de diversas formas de estrategias de comunicación y de contagio cultural que se producen cuando se reúnen y se trasladan saberes entre territorios donde los seres han sido desplazados. La comunicación entre un búfalo y una comunidad, o entre una tejedora y una imagen seleccionada de la diáspora quebranta las narrativas de la historia ocupacional.

Jorge González abreva y se nutre de las historias orales hasta las técnicas ancestrales, pasando por las prácticas colectivas compartidas. La Escuela de Oficios que creó en Puerto Rico, conecta y practica modelos de educación autodirigida y explora las formas convivenciales y comunitarias de producción. Enfatiza las relaciones con los materiales y el territorio especialmente re-aprendiendo de formas que han sido borradas deliberadamente u olvidadas. Con esto se embarca en un proceso continuo para reconectar, reconocer y reparar relaciones con los ciclos de vida entre seres.

Ariel Guzik es el fundador del Laboratorio de Investigación en Resonancia y Expresión de la Naturaleza en la ciudad de México mediante el cual ha creado diferentes máquinas e instrumentos que permiten la comunicación entre humanos y otras formas de vida: desde cetáceos, como ballenas y delfines, hasta diversas especies de plantas, u otros fenómenos naturales como el viento o los campos magnéticos.

A través de estas máquinas, el Laboratorio realiza investigaciones y expediciones artísticas donde se activan los aparatos con la intención de dar voz a la naturaleza a través del sonido y la música. Sus obras proponen una posición radicalmente diferente al antropocentrismo porque en lugar de situar al ser humano como centro de la existencia, postula una convivencia en la que todos los seres de este planeta contribuyen por igual al equilibrio y forman parte de la infinita red de relaciones que forman vida.

Bernardo Zabalaga practica una constante sintonización con los procesos de vida convocando las energías más luminosas. Su quehacer nos señala mundos enterrados por la lógica colonial e investiga diversas formas de convocar a la magia y a los actos de poder en la vida cotidiana para replantear formas de estar que nos conectan con la energía que hace posible unir fisuras y grietas entre dimensiones separadas por nuestra lectura moderna del mundo. Bernardo es un nuevo/viejo espíritu que desentierra sabiduría pidiendo permiso a las montañas, que trae los cantos de otras dimensiones para regalar armonía.

A ellxs cuatro, nos sintonizamos un grupo mayor de heterogénexs encuentristas para decir:

Pensamos que el soplo que nos anima y une es una forma de entender el mundo. Podemos apalabrar, tras el encuentrismo, el deseo de re-encantamiento, aun cuando hoy día parece una ilusión pensarlo tras tanta desmemoria: ¿cuántos rituales hemos dejado de practicar?, ¿cuántos sueños hemos dejado de tener y recordar?, ¿cuántas tecnologías y saberes hemos olvidado y cuánto desentendimiento ante los “recursos” hemos asimilado? Mientras, el mundo del tiempo lineal camina apostando a una acumulación sin sentido, abismal, y las capas siguen cimentando la memoria colonial.

¿Qué pasaría si nos dejamos impregnar por otras visiones, aromas, humaredas, texturas y audiciones? ¿No hay ahí una posibilidad de habitar espacios y facultades que hemos desatendido? Intuimos una forma para dislocarnos del entendimiento de las estructuras dominantes.

Creemos en la posibilidad de generar cómplices y agenciar mundos y re-organizarnos en nuevas rutinas y relaciones para encaminar otras formas de vida y otras narrativas, otras posibilidades de invención. Los seres y los colectivos convocados en el Canto de la Yerba Bruja nos han enseñado con su práctica que se desborda en la cotidianidad del diario vivir, que es posible retar las tecnologías, sintonizar nuestra existencia a los sistemas naturales y sus ritmos y recordar que hay otras forma de relacionarnos con la vida que podemos encaminar y practicar.

Hoy creemos que un entendimiento planetario nace desde una conciencia territorial. Nuestra conciencia territorial no es aquella de la geopolítica hegemónica que designa líneas fronterizas y dominios, sino una intención colectiva que nos implica en el entendimiento de heterogéneos mundos que conviven. La nuestra es una conciencia de vida y muerte en el ser, de existencia en relación y de vigilancia de los desplazamientos que separan, opacan y ocupan violentando tierras, cuerpos, seres.

Aventuramos una forma de acuerparnos en el tiempo y desestimamos otras. Nos vemos obligados a tomar una posición y lo hacemos con humildad y con imaginación. Deseamos vivir fuera del tiempo lineal, que no nos riga el desarrollo ni el progreso. No queremos adherirnos a la estructura aristotélica que narra al mundo como conflicto, o como curva en la que aparece un problema que se desarrolla y concluye. Si tuviéramos que traducir nuestro deseo a una representación diríamos que transitamos así:

O, mejor:

Un círculo que poco antes de cerrarse se desvía.

Esta imagen iterada sugiere una cuerda que es sujetada de sus dos extremos, mecida para generar una espiral. Si eliminamos en nuestras mentes la idea de los dos extremos de la cuerda, la espiral se vuelve previsiblemente infinita.

Deseamos ser mucho de lo que se ha desestimado: la señal electromagnética que lleva una voz hasta el otro lado del planeta, una tierna hierba abriéndose camino hacia el cielo y hacia el centro de la tierra, somos ese espejo invertido, somos practicantes en anhelo, somos el sueño de las ballenas, somos sus irradiaciones sonares, somos rito y ceremonia, el latido de un tambor, el acelerado latido de un colibrí o de unx ninx con fiebre, somos la húmeda virtud del llanto. Somos flor y tantos cantos que de tan alegres no caben ni en las clasificaciones, ni en las categorías ni en las definiciones. Somos todo lo viejo que se engendra y renueva. Somos también contradicción y miedo en medio de la ruina. No tenemos respuestas y con humildad ofrecemos estas palabras y ofrecemos, también, atenta escucha.

Nuestras prácticas encarnan hipercomplejas y esenciales interacciones (los opuestos son posibles en nuestros mundos) con las ecologías en las que estamos incrustados, cual semillas en un tejido. Recordamos. Conspiramos. Respiramos en conciencia con todas las fuerzas. Nos abrimos al flujo y a la insistencia de la vida y esa certeza nos anima… mientras desaparecemos en solidaridad y reaparecemos, con calma.

El canto de la Yerba Bruja fue/es un modo permeable que implica, por ahora a: Alia Farid, Bernardo Zabalaga, Escuela de Oficios (Jorge González & Alejandra Domínguez), Laboratorio de Investigación en Resonancia y Expresión de la Naturaleza (Ariel Guzik, Katalina Juarez Oechler & Luz Ma Sandoval), Panósmico (Mariana Mañón & Manolo Larrosa), Alfonso Díaz, Andrés Solís, David Gutiérrez Castañeda, Dominique Ratton Pérez, El Humedal, El Semillero, Inés Katzenstein, Julián Sánchez González, María del Carmen Carrión, Maru Calva, Mauricio Marcin, Michy Marxuach, Nattan Guzmán, Santi Carsolio, Silvia García Martin y Val Montenegro.

Reweaving Ourselves: Contemporary Ecology through the Ideas of Juan Downey
Juan Downey Studio NYC, ca. 1970. Courtesy of the State of Juan Downey.

November−December 2020

Reweaving Ourselves: Contemporary Ecology through the Ideas of Juan Downey is the second online conference organized by the Cisneros Institute at MoMA and conceived by guest curator Julieta González as part of a three-year research initiative on the relationships between art and the environment in Latin America.

The conference takes as a point of departure a series of technological, anthropological, and political issues raised by work and writings created between the mid-1960s and the early ’80s by the late Chilean artist Juan Downey, in order to generate a discussion on the way artists, theoreticians, feminist thinkers, ecologists, and climate change activists, among many others, are rethinking Latin America today.

Looking back at Downey’s conception of ecology from the perspectives of cybernetics, anthropology, and the ways in which his work and thought posed challenges to the onto-epistemic formations of capitalist modernity, the conference aims to assess the shifts that have taken place and are currently shaping the relations between technology and ecology, the political space constituted by the natural environment of indigenous communities, and the epistemologies of the South as alternatives to development and modernity.

Starting with an introductory session on the work and thought of Juan Downey, with the participation of guest curator Julieta González and scholar Javier Rivero Ramos, the conference will gather an interdisciplinary group of practitioners: architectural historian Felicity Scott, artists Eduardo Kac, Minerva Cuevas, and Beatriz Santiago Muñoz, architect Paulo Tavares, Sarayaku activist Franco Viteri Gualinga, curator María Belén Sáez de Ibarra, and anthropologist Arturo Escobar.

Through the dialogue between the participants, the conference aims to give continuity to the avenues of thought and inquiry opened up by Juan Downey decades ago, untapping the cultural and social resources and forms of knowledge and relationality that have been historically suppressed in Western thought in order to reweave ourselves in a more integrated way with our environment.

The participants will engage in a series of three online conversations: “Technology for a Disoriented Humanity,” “The Cosmopolitics of the Forest,” and “Beyond Technology and Development: How Can We Envision Solutions for the ‘Latin American Problem’ Today?”

The legacies of Juan Downey

Juan Downey’s pioneering work and writings are acutely prescient of the discussions taking place today on ecology, post-development, and anthropology, especially in the Global South. Initially trained as an architect, Downey worked at the intersection of architecture, technology, anthropology, culture, and the environment, to name just a few fields engaged by his heterogenous practice, which spanned different mediums (painting, printmaking, drawing, sculpture, video), writing, and teaching architecture at the Pratt Institute for over two decades. It is possible to identify in cybernetics, as the epistemology of a then-nascent information society, the discursive connecting thread throughout Downey’s multiple bodies of work. His cybernetic utopia proposed a radical reformulation of the relations between man, environment, and technology.

Downey grasped the essence of cybernetics, in its systems-based view and dissolution of subject and object positions, as an ontology of becoming. It is perhaps this aspect of his work and thought that connects the three axes of this discussion around the environment and ecological thinking in Latin America today.

On the one hand, an ontology of becoming allowed him to think of interspecies communication and posthuman alliances between the human and the machine, of being able to reweave the chasm between nature and culture through technology. On the other, in the Yanomami people’s expanded view of the self he identified an ontology of becoming that transcended the self/other duality, and included animals and the forest as beings endowed with human attributes. His experience traveling and living among the indigenous cultures in the Americas confirmed his deep-seated conviction that other ways of being and knowing, which superseded the Western notions of state and capital, were possible. He came to the realization that, beyond technology, what would enable a disoriented humanity to close this “man/nature” chasm resided in the relational, communal and ecological forms of organization of the indigenous peoples, silenced and obliterated not only by centuries of colonial rule but, in modern times, by the rhetoric of development and progress.

In the past decade or so, the intersecting concerns that guided Downey’s work in the 1970s have gained renewed currency among Latin American artists and thinkers, many of whom have sought to form alliances with and give visibility to indigenous communities and activist groups working in this direction. The impending global ecological crisis that Downey and his contemporaries foresaw in the 1960s and ’70s has significantly worsened. The neural network of communications he imagined is a reality today and shapes our world in myriad ways, but it has not been instrumental in the struggle against ecological disaster. In the field of anthropology, Downey’s dismantling of the ethnographic gaze and his identification of an ontology of becoming as characteristic of indigenous peoples prefigured the concept of Amerindian Perspectivism and the contemporary revisions of the notion of animism in anthropology, which have in fact had significant bearing on the ecological front. One important example of this is the 2013 lawsuit on behalf of the rights of nature filed by indigenous and environmental activist groups against the Ecuadorian state for allowing mining and oil extraction in the Cordillera and Amazonian regions of the country. Today, Latin America is witness to the failed promises of development and the shortcomings of an imposed modernity, which have led to a vicious cycle of dependency, corruption, and foreign debt, which corrupt governments are paying with concessions to Western countries but also Russia and China, giving them free rein to exploit natural resources in forest and mountain regions, and gravely damaging ecosystems and the peoples who inhabit them, further intensifying the cycle of dependency, structural poverty, and exploitation.

Such is the context in which the participants in this conference are working today, and each of them, through their respective practice, is addressing one or several of these challenges.

Guest curator, Julieta González

Session One Juan Downey: Cybernetics, Ecology, and an Ontology of Becoming
A conversation between curator Julieta González and scholar Javier Rivero Ramos November 10, 2020.

Juan Downey: Cybernetics, Ecology, and an Ontology of Becoming will present key aspects of Juan Downey’s work, focusing on the cybernetic inflection that runs throughout. Curator Julieta González and scholar Javier Rivero Ramos, co-editors of the recent monograph Juan Downey, 1940–1993 (Ediciones MP, Mexico, 2019), will discuss his specific approaches to ecology, interspecies communication, and sustainable architecture, and the self/other duality that permeates key works in Downey’s production, through a discussion of some of his most important projects.

Video in Spanish with English subtitles

Session Two
Technology for a Disoriented Humanity
A conversation between Eduardo Kac and Felicity Scott, moderated by Julieta González November 18, 5-6 p.m.

In a 1973 essay published in Radical Software magazine, titled “Technology and Beyond,” Juan Downey stated that “cybernetic technology operating in synchrony with our nervous systems is the alternative life for a disoriented humanity.” Furthermore, Downey’s early drawings explored the possibilities of human-machine ensembles, an interest that led to experiments in interspecies communication, and the creation of self-organizing ecological systems in his home and gallery spaces, among many other projects.

In this session, artist Eduardo Kac will present his explorations of bio-art and his work in the context of an expanded conception of ecology. Architectural historian Felicity Scott will speak about the impact of cybernetics on the artistic production of the 1960s and 1970s, and her particular research on the work of Juan Downey and Les Levine. They will engage in a conversation on the present-day relations between art, architecture, technology, and ecology.

Video in Spanish with English subtitles

Session Three
The Cosmopolitics of the Forest
Presentations by Paulo Tavares, Franco Viteri Gualinga, and María Belén Sáez de Ibarra, followed by a conversation moderated by Julieta González November 24, 2020.

Following the coup d’état against Chilean president Salvador Allende in 1973, artist Juan Downey intensified his critique of US intervention in foreign politics and turned his focus to the South, embarking on a video expedition throughout the American continent in which he sought to connect the indigenous cultures of the Americas through video feedback. Later, Downey and his family resided for a year among the Yanomami tribe in the Venezuelan Amazon. These experiences—central to his works Video Trans Americas (1973–76) and The Laughing Alligator 1979, both in MoMA’s collection—attuned Downey to other ways of relating to the environment and to indigenous forms of social and economic organization, which he saw as alternatives to Western notions of state and capital.

Today many indigenous groups, working in interdisciplinary alliances with artists, scholars, and activists, are working on that front, rehabilitating indigenous forms of knowledge that imply alternative conceptions of nature, and enabling a shift toward changing the legal status of the forest.

This session is organized around the events documented in the film Forest Law, made in 2014 by architect Paulo Tavares and filmmaker Ursula Biemann in collaboration with members of the Runa people of the Sarayaku in Ecuador. It will include a presentation by Franco Viteri Gualinga, a member of the Sarayaku community, and a conversation between Tavares, Viteri Gualinga, and curator María Belén Sáez de Ibarra, who was responsible for organizing a series of exhibitions on the “Cosmopolitical forest” at Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia. Sáez is also currently collaborating with Ursula Biemann on the “Universidad Devenir” a project for an indigenous university with the Inga people of Colombia, which will also be discussed in this session.

Video in Spanish with English subtitles

Session Four
Beyond Technology and Development: How Can We Envision Solutions for the “Latin American Problem” Today?
Presentations by Arturo Escobar, Minerva Cuevas, and Beatriz Santiago Muñoz, followed by a conversation moderated by Julieta González December 1, 2020.

Juan Downey’s production from the late 1960s onwards was guided by an agenda that sought to address what Argentine critic Jorge Glusberg described as “the Latin American problem”—the condition of dependency created by centuries of colonial occupation and maintained by the modern project of development. Downey’s works, such as Make Chile Rich (1970), The Imperialistic Octopus (1972), Anaconda Map of Chile (1973), and Chicago Boys (1983), are explicitly aimed in this direction.

In this session, anthropologist Arturo Escobar will speak about his influential research and writing on post-development, indigenous and grassroots epistemologies in Latin America, and relationality as an alternative to the “defuturing” modern/colonialist/capitalist world system. A conversation between Escobar and artists Minerva Cuevas and Beatriz Santiago Muñoz will revolve around a presentation of their respective practices as strategies of resistance to colonization and extractivism.


Minerva Cuevas invites us to rethink the role corporations play in the management of natural resources. Her interdisciplinary projects combine aspects of anthropology and economics and discuss the condition of the individual under a capitalist regime: constant abuse, dispossession and estrangement from ancestral and cultural identity, but also the latent possibility of revolt implicit in the everyday.

Arturo Escobar is an activist-researcher and academic from Cali, Colombia, whose work focuses on territorial struggles against extractivism, postdevelopmentalist and post-capitalist transitions, and ontological design. His most well known book is Encountering Development: The Making and Unmaking of the Third World (1995). His most recent books are Designs for the Pluriverse: Radical Interdependence, Autonomy, and the Making of Worlds (2018) and Pluriversal Politics: The Real and the Possible (2020).

Javier Rivero Ramos is a PhD candidate at the Department of Art and Archeology of Princeton University. His research explores transnational networks of artistic exchange. He edited the first monograph devoted to Raphael Montañez Ortiz, published by El Museo del Barrio in 2020, and co-edited a monograph dedicated to Juan Downey in 2019.

Since 1980 artist Eduardo Kac has been making work that explores the poetic and philosophical connections between art, language, light, networking, biology, and communication. Heralded by many as the founder of the bio art movement, Kac recently created Inner Telescope, an artwork realized in outer space with the cooperation of an astronaut. Kac’s work is in the collections of such institutions as The Museum of Modern Art, New York, and Tate Modern, London.

Beatriz Santiago Muñoz is an artist based in San Juan, Puerto Rico. Her work combines aspects of ethnography and theater to create film and video projects that have touched on subjects including anarchist communities, the relationship between artwork and work, and post-military land.

María Belén Sáez de Ibarra is a lawyer and curator, and has been director of the Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia (Bogotá) since 2010. Working across disciplines, she has commissioned and produced experimental projects—such as Cosmopolitics of the Forest—that challenge the roles within and borders between cultural/social practices and the arts.

Felicity Scott is professor of architecture, director of the PhD program in Architecture (History and Theory), and co-director of the program in Critical, Curatorial and Conceptual Practices in Architecture (CCCP) at the Graduate School of Architecture, Planning and Preservation, Columbia University. Her work as a historian and theorist focuses on articulating genealogies of political and theoretical engagement with questions of techno-scientific, environmental, and geopolitical transformation within modern and contemporary architecture, art, and media.

Paulo Tavares is an architect, researcher, and writer based in South America. His design and pedagogic practice spans different territories, social geographies, and media. He is the author of the books Forest Law (2014), Memória da terra (2018), and Des-Habitat (2019), and he co-curated the Chicago Architecture Biennial 2019.

Franco Tulio Viteri Gualinga is a Kichwa leader from Sarayaku, a community in the Ecuadorian Amazon most known for their ongoing struggle against oil extraction in their territory. He is an environmental and Indigenous rights activist and a member of the Confederación de Nacionalidades Indígenas de la Amazonía Ecuatoriana.

Guest curator
Julieta González is an independent curator and researcher who works at the intersection of anthropology, cybernetics, architecture, design, and the visual arts. She has written several essays, organized two exhibitions, and co-edited a monograph on the work of Juan Downey. More recently she has developed research and exhibitions addressing underdevelopment and decolonial aesthetics in Latin America. She has worked as curator at Tate Modern, Museo Tamayo, Bronx Museum of the Arts, and Museu de Arte de Sao Paulo.

Video in Spanish with English subtitles

Reenlazarnos: la ecología contemporánea a través de las ideas de Juan Downey Noviembre–diciembre 2020

Reenlazarnos: la ecología contemporánea a través de las ideas de Juan Downey es la segunda conferencia virtual organizada por el Instituto Cisneros del MoMA como parte de una iniciativa de investigación de tres años sobre las relaciones entre arte y medio ambiente en América Latina.

La conferencia, concebida en colaboración con la curadora invitada Julieta González, toma como punto de partida una serie de cuestiones de orden tecnológico, antropológico y político planteadas entre mediados de los 60s e inicios de los 80s por la obra y los escritos del artista chileno Juan Downey, con el objetivo de generar una discusión sobre el modo en que artistas, teóricos, pensadores feministas, ecologistas y activistas del cambio climático, entre otros, están repensando América Latina en la actualidad.

La concepción ecológica de Downey incluye simultáneamente una perspectiva cibernética, antropológica, así como un desafío a las formaciones onto-epistemológicas de la modernidad capitalista. Partiendo de esas ideas, la conferencia aspira a evaluar los cambios que están transformando activamente las relaciones entre tecnología ecología, el espacio político constituido por el medio ambiente natural de las comunidades de pueblos originarios, y las epistemologías del sur, como alternativas al desarrollo y la modernidad.

Con la participación de la curadora invitada Julieta González y el investigador Javier Rivero Ramos, la conferencia comienza con una sesión introductoria de la obra y el pensamiento de Juan Downey. Las siguientes sesiones reunirán un grupo interdisciplinario de profesionales: la historiadora de la arquitectura Felicity Scott, los artistas Eduardo Kac, Minerva Cuevas y Beatriz Santiago Muñoz, el arquitecto Paulo Tavares, el activista sarayaku Franco Viteri Gualinga, la curadora María Belén Sáez de Ibarra y el antropólogo Arturo Escobar.

A través del diálogo entre los participantes, la conferencia aspira a dar continuidad a los caminos del pensamiento y la investigación abiertos por Juan Downey décadas atrás, al abrir paso a formas de conocimiento y modos relacionales históricamente suprimidos en el pensamiento occidental, con el fin de reenlazarnos en un tejido más integrado al medio ambiente.

El legado de Juan Downey

“La obra y los escritos de Juan Downey son proféticos respecto a las cuestiones que se discuten hoy en día en torno a la ecología, el posdesarrollo y la antropología, especialmente en el Sur global. Formado inicialmente como arquitecto, Downey trabajaba en la intersección entre la arquitectura, la tecnología, la antropología, la cultura y el medio ambiente, por mencionar solo algunos de los campos en que intervino su heterogénea práctica profesional, que abarcó distintos medios artísticos (la pintura, el grabado, el dibujo, la escultura, el video), la escritura y las clases de arquitectura en el Pratt Institute, donde enseñó durante más de dos décadas. Se puede identificar la cibernética, en tanto epistemología de la incipiente sociedad de la información de aquel entonces, como el hilo conductor discursivo a través de los múltiples trabajos de Downey. Su utopía cibernética proponía una reformulación radical de las relaciones entre el ser humano, el medio ambiente y la tecnología.

Downey entendía la esencia de la cibernética, en cuanto a su visión sistémica y a la disolución de las posiciones de sujeto y objeto, como una ontología del devenir. Tal vez sea este aspecto de su obra y de su pensamiento lo que conecta los tres ejes de esta discusión en torno al pensamiento ecológico y medioambiental en América Latina hoy en día.

Por un lado, una ontología del devenir le permitía pensar en la comunicación entre especies y las alianzas posthumanas entre el ser humano y la máquina, en recomponer la brecha entre naturaleza y cultura mediante la tecnología. Por otro lado, Downey detectaba en la visión expandida del yo del pueblo yanomani, una ontología del devenir que trascendía la dualidad yo/otro e incluía los animales y la selva como seres dotados de atributos humanos. La experiencia adquirida al viajar y vivir inmerso en las culturas de los pueblos originarios de América confirmaba su arraigada creencia en que otras maneras de ser y de conocer, en lugar de las nociones occidentales de estado y capital, eran posibles. Downey llegó a comprender que, más allá de la tecnología, lo que permitiría que una humanidad desorientada cerrara la brecha “ser humano/naturaleza” residía en el carácter relacional, comunal y ecológico de las formas de organización de los pueblos originarios, silenciados y aniquilados no solo por siglos de régimen colonialista sino también, en la modernidad, por la retórica del desarrollo y el progreso.

Durante la última década, las preocupaciones que guiaron la obra de Downey en los años 70 han ganado una renovada aceptación entre artistas y pensadores de América Latina, muchos de los cuales buscan dar visibilidad a los pueblos originarios y grupos activistas que trabajan en esa dirección y han formado alianzas con ellos. La inminente crisis ecológica global que Downey y sus contemporáneos anticiparon en los anõs 60 y 70 ha empeorado considerablemente. La red neural de comunicaciones que él imaginaba, es una realidad y configura nuestro mundo de innumerables maneras, aunque no ha sido instrumental en la lucha contra el desastre ecológico. En el campo de la antropología, el desmantelamiento de la mirada etnográfica que realizó Downey, y su identificación de una ontología del devenir característica de los pueblos originarios, prefiguró el concepto de “perspectivismo amerindio” y las revisiones contemporáneas de las nociones de animismo en la antropología, las cuales han tenido gran relevancia en el frente ecológico. Un ejemplo importante es la demanda legal por los derechos de la naturaleza interpuesta por pueblos originarios y grupos de activistas medioambientales en 2013 contra el estado ecuatoriano por haber permitido la extracción minera y petrolera en las regiones de la cordillera y del Amazonas del país. Hoy en día, América Latina es testigo de las promesas de desarrollo incumplidas y de las deficiencias de una modernidad impuesta, que han llevado a un círculo vicioso de dependencia, corrupción y deuda externa, y que los gobiernos corruptos están pagando con concesiones a países de Occidente y a Rusia y China, dándoles rienda suelta para la explotación de recursos naturales en regiones de selva y montaña, dañando gravemente los ecosistemas y los pueblos que los habitan, e intensificando así aún más el ciclo de dependencia, pobreza estructural y explotación.

Este es el contexto en el que los participantes de esta conferencia trabajan hoy en día, y cada uno de ellos, en sus respectivas prácticas profesionales, aborda uno o varios de estos desafíos”.

Julieta González, curadora invitada

Primera sesión
Juan Downey: cibernética, ecología y una ontología del devenir
Una conversación entre la curadora Julieta González y el Investigador Javier Rivero Ramos
10 de noviembre, 2020

Juan Downey: cibernética, ecología y una ontología del devenir consistirá en una presentación de los aspectos clave de la obra de Juan Downey, con un foco en el énfasis cibernético que la atraviesa. La curadora Julieta González y el investigador Javier Rivero Ramos, coeditores de la monografía reciente Juan Downey, 1940–1993 (México: Ediciones MP, 2019), hablarán sobre las aproximaciones de Downey a la ecología, la comunicación entre especies, la arquitectura sustentable y la dualidad yo/otro que impregna las obras clave de su producción, mediante un análisis de algunos de sus proyectos más importantes.

Segunda sesión
Tecnología para una humanidad desorientada
Una conversación entre el artista Eduardo Kac y la historiadora Felicity Scott, moderada por Julieta González
18 de noviembre, 2020

En un ensayo de 1973 publicado en la revista Radical Software, titulado “La tecnología y más allá”, Juan Downey manifestaba que “La tecnología cibernética que opera en sincronía con nuestros sistemas nerviosos es la vida alternativa para una humanidad desorientada”. Es más, los primeros dibujos de Downey exploraban las posibilidades de los ensamblados de seres humanos y máquinas, un interés que lo llevó a realizar experimentos con la comunicación entre especies y a crear sistemas ecológicos autoorganizados en su casa y en galerías, entre muchos otros proyectos.

En esta sesión, el artista Eduardo Kac presentará sus exploraciones de bioarte en el contexto de una concepción expandida de la ecología. La historiadora de la arquitectura Felicity Scott hablará del impacto de la cibernética en la producción artística de los años 60 y 70 y de su investigación particular sobre la obra de Juan Downey y Les Levine. Kac y Scott participarán en una conversación sobre las relaciones actuales entre el arte, la arquitectura, la tecnología y la ecología.

Tercera sesión
Cosmopolítica de la selva
Con presentaciones del arquitecto Paulo Tavares, el activista Franco Viteri Gualinga y la curadora María Belén Sáez de Ibarra, seguidas de una conversación colectiva moderada por Julieta González
24 de noviembre, 2020

Luego del golpe de estado contra el presidente chileno Salvador Allende en 1973, el artista Juan Downey intensificó su crítica a la intervención de Estados Unidos en la política extranjera y volvió su mirada hacia el sur, embarcándose en una expedición, que registró en video, a través del continente americano, con la cual buscaba conectar las culturas de los pueblos originarios de América mediante la retroalimentación en video. Posteriormente, Downey y su familia vivieron durante un año con la tribu yanomani en el Amazonas venezolano. Estas experiencias —centrales en sus trabajos Video Trans Americas (1973-1976) y The Laughing Alligator (El caimán risueño) (1979), ambos pertenecientes a la colección del MoMA— pusieron a Downey en sintonía con otras formas de relacionarse con el medio ambiente y con formas de organización social y económica de los pueblos originarios que él vio como alternativas respecto de las nociones occidentales de estado y capital.

Esta sesión está organizada en torno a los hechos documentados en la película Forest Law (Selva jurídica), realizada en 2014 por el arquitecto Paulo Tavares y la cineasta Ursula Biemann en colaboración con miembros de la comunidad runa de Sarayaku, Ecuador. Incluirá una presentación realizada por Franco Viteri Gualinga, miembro de la comunidad sarayaku, y una conversación entre Tavares, Viteri Gualinga y la curadora María Belén Sáez de Ibarra, quien fue responsable de la exposición Selva cosmopolítica en el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia (2014). Actualmente Sáez colabora con Ursula Biemann en la “Universidad devenir”, un proyecto que apunta a la creación de una universidad indígena, ideado con la comunidad Inga de Colombia, del que también se hablará en esta sesión.

Cuarta sesión
Más allá de la tecnología y el desarrollo: ¿cómo podemos concebir soluciones para el “Problema latinoamericano” hoy?

Con presentaciones del antropólogo Arturo Escobar, y las artistas Minerva Cuevas y Beatriz Santiago Muñoz, seguidas de una conversación colectiva moderada por Julieta González
1 de diciembre, 2020

Desde finales de los años 60, la producción de Juan Downey estuvo guiada por una agenda que buscaba abordar lo que el crítico argentino Jorge Glusberg describía como “el problema latinoamericano” —la situación de dependencia generada por siglos de ocupación colonial y perpetuada por el proyecto moderno de desarrollo. Las obras de Downey Make Chile Rich (Haga Rico a Chile) (1970), The Imperialistic Octopus (El pulpo imperialista) (1972), Anaconda Map of Chile (Anaconda mapa de Chile) (1973) y Chicago Boys (1983), apuntan explícitamente en esa dirección.

En esta sesión, el antropólogo Arturo Escobar hablará de sus influyentes trabajos de investigación y escritos sobre posdesarrollo, epistemologías de base y de los pueblos originarios en América Latina, y sobre los modos relacionales como una alternativa frente al sistema mundial moderno/colonialista/capitalista y su efecto de “desfuturización”. Habrá además una conversación entre Escobar y las artistas Minerva Cuevas y Beatriz Santiago Muñoz que girará en torno a una presentación de sus respectivas prácticas como estrategias de resistencia frente a la colonización y el extractivismo.


Minerva Cuevas nos invita a repensar el rol de las corporaciones en la gestión de los recursos naturales. Sus proyectos interdisciplinarios combinan aspectos de la antropología y de la economía, y analizan la situación del individuo en un régimen capitalista: abuso constante, desalojo y distanciamiento de la identidad ancestral y cultural, pero también de la posibilidad de rebelión implícita en lo cotidiano.

Arturo Escobar es un investigador-activista y académico de Cali, Colombia. Su trabajo se concentra en las luchas territoriales contra el extractivismo, las transiciones posdesarrollistas y poscapitalistas, y el diseño ontológico. Su libro más conocido es La invención del Tercer Mundo: Construcción y deconstrucción del desarrollo (1996). Sus libros más recientes son: Diseños para el pluriverso. La interdependencia radical, la autonomía y la creación de mundos (2016) y Pluriversal Politics: The Real and the Possible (Política pluriversal: lo real y lo posible) (2020).

Javier Rivero Ramos es un doctorando en el Departamento de Arte y Arqueología de Princeton University. Investiga las redes transnacionales de intercambio artístico. Editó la primera monografía dedicada a Raphael Montañez Ortiz, publicada por El Museo del Barrio en 2020 y co editó una monografía dedicada a Juan Downey en 2019.

Desde 1980, el artista Eduardo Kac ha realizado obras que exploran las conexiones poéticas y filosóficas entre el arte, el lenguaje, la luz, las redes de contactos, la biología y la comunicación. Ha sido proclamado por muchos como fundador del movimiento del bioarte. Recientemente creó Inner Telescope (Telescopio interior), una obra de arte realizada en el espacio exterior en colaboración con un astronauta.

Beatriz Santiago Muñoz es una artista cuya obra expandida de imágenes en movimiento está conectada con el teatro boaliano, la etnografía experimental y el cine expandido. Generalmente trabaja con actores no profesionales e incorpora improvisaciones al proceso. Su obra reciente se enfoca en el inconsciente sensorial de los movimientos anticoloniales, en los huracanes y el análisis de los sueños, y en lentes de proyección irracional.

María Belén Sáez de Ibarra es abogada y curadora, y es directora del Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia (Bogotá) desde 2010. Trabaja en el cruce de distintas disciplinas, y ha encargado y realizado proyectos experimentales —como Selva cosmopolítica— que desafían los distintos roles y las fronteras entre las prácticas sociales/culturales y las artes.

Felicity Scott es profesora de arquitectura, directora del programa de doctorado en Arquitectura (Historia y teoría) y codirectora del programa en Crítica, Curaduría y Prácticas Conceptuales en Arquitectura-CCCP (Critical, Curatorial and Conceptual Practices in Architecture) en la Graduate School of Architecture, Planning and Preservation, Columbia University. Su trabajo como historiadora y teórica se concentra en la articulación de genealogías del compromiso político y teórico con cuestiones de la transformación tecnocientífica, medioambiental y geopolítica, dentro de la arquitectura, el arte y los medios modernos y contemporáneos.

Paulo Tavares es un arquitecto, investigador y escritor residente en Brasilia. Enseña en la Universidad de Brasilia, Brasil. Su trabajo pedagógico y de diseño abarca distintos territorios, geografías sociales y medios. Es autor de los libros Forest Law (Selva jurídica) (2014), Memória da terra (Memoria de la tierra) (2018) y Des-Habitat (2019), y fue cocurador de la Chicago Architecture Biennial 2019.

Franco Tulio Viteri Gualinga es un líder kichwa de Sarayaku, una comunidad del Amazonas ecuatoriano conocida por su lucha continua contra la extracción de petróleo en su territorio. Es defensor de los derechos medioambientales e indígenas y miembro de la Confederación de Nacionalidades Indígenas de la Amazonía Ecuatoriana.

Curadora invitada
Julieta González es una curadora e investigadora que trabaja en la intersección entre la antropología, la cibernética, la arquitectura, el diseño y las artes visuales. Ha escrito varios ensayos, ha organizado dos exposiciones y ha coeditado una monografía sobre la obra de Juan Downey. Recientemente se ha enfocado en desarrollar investigaciones y exposiciones que abordan estéticas decoloniales y del subdesarrollo en América Latina. Ha trabajado como curadora del Tate Modern, Museo Tamayo, Bronx Museum of the Arts y Museu de Arte de Sao Paulo.

Cumbre Aconcagua
Guest Curator Camila Marambio introduces Cumbre Aconcagua (the Aconcagua summit). August–September, 2020 Video in Spanish with English subtitles.

August—September, 2020

Convened by the Cisneros Research Institute for the Study of Latin American Art at MoMA and conceived by guest curator Camila Marambio, Cumbre Aconcagua (the Aconcagua summit) looks at the history of water management in the Americas through the interdisciplinary work of artists, theorists, historians, lawyers, ecofeminists, scientists, and local communities.

The Cumbre comprises a series of conversations, or confabulations, and an experimental tribunal titled The Water Is the Law. With the term confabulations, Marambio describes the three public dialogues that she will moderate on August 11, 25, and September 8 between Carolina Caycedo and Ignacio Valero, Maria Thereza Alves and Denise Ferreira da Silva, and Cecilia Vicuña and Marisol de la Cadena, respectively. The intent of these confabulaciones is to reflect on strategies for de-extinction, solidarity between North and South, and an overall reorientation toward societies of care that include the more than human.

Initially, Cumbre Aconcagua was meant to be a research retreat in Chile, from April 28 to May 2, 2020. The summit was to be set along the shores of the Laguna del Inca, a glacial lake that rises 2,680 meters above sea level and is situated halfway up the Aconcagua, the tallest peak of the Andean Mountain Range. The name Aconcagua stems from the Quechua terms kawa (to see, to look) and kon (mother of life, the sea, chaos, transformation), and acknowledges the cycle of water from ocean to glacier and back. The Aconcagua basin has been the subject of a lifelong body of work by artist Cecilia Vicuña and, in reverence, Marambio had chosen this site as the meeting place for the first Cisneros Institute conference dedicated to the study of the relationship between the arts and the environment in Latin America.

Chile is the only country in the world were water is privatized, and though the original Cumbre’s agenda was set by the invited artists’ and theorists’ work on water-related issues around the Americas, the summit was timed to coincide with the Chilean election—offering a window of opportunity to conceive the return of water rights to the commons—and hopefully to water itself. The unexpected COVID-19 crisis brought the Chilean election cycle and Cumbre Aconcagua to a halt. However, the connective tissue that had already grown between the participants proved to be strong. Stories had begun to flow and their shared concerns and practices of care for bodies of water lead to an improvised atonement ritual, or pagamento, that took place online on May 1.

In keeping with these commitments, and with Cumbre Aconcagua’s initial, situated goals, the summit will culminate on September 28 with the screening of the performative trial The Water Is the Law, modeled on the International Rights of Nature Tribunal, in which four Chilean scholars who were originally going to act as local advisers to the Cumbre—anthropologist Francisca Fernández, ecologist Bárbara Saavedra, art historian Catalina Valdés, and attorney Nancy Yañez—will each offer a short testimony disclosing the state of Chilean waters. This interdisciplinary hearing will be chaired by the Argentinian sociologist Maristella Svampa, who will address the Chilean case study by scaling outward and opening the discussion up to the environmental state of affairs of Latin America.

Convocada por el Instituto de Investigación Patricia Phelps de Cisneros para el estudio del arte de América Latina del MoMA y concebida por la curadora invitada Camila Marambio, la Cumbre Aconcagua examina la historia de la gestión del agua en el continente americano mediante el trabajo interdisciplinario de artistas, teóricos, historiadores, abogados, ecofeministas, científicos y comunidades locales.

La Cumbre comprende una serie de conversaciones, o confabulaciones, y un tribunal experimental llamado The Water Is the Law (El agua es la ley). Mediante el término confabulaciones, Marambio describe los tres diálogos públicos que moderará los días 11 y 25 de agosto, y 8 de septiembre, entre Carolina Caycedo e Ignacio Valero, Maria Thereza Alves y Denise Ferreira da Silva, y Cecilia Vicuña y Marisol de la Cadena, respectivamente. El propósito de estas confabulaciones es reflexionar sobre estrategias de des-extinción, sobre procesos de solidaridad entre el Norte y el Sur, y acerca de una reorientación general hacia las sociedades de cuidado que incluyan el mundo más que humano.

Inicialmente, la Cumbre Aconcagua iba a ser un encuentro de investigación que se llevaría a cabo en Chile, del 28 de abril al 2 de mayo de 2020. La cumbre iba a tener lugar a orillas de la Laguna del Inca, un lago glacial a una altitud de 2680 metros sobre el nivel del mar y que se ubica a mitad del camino hacia la cima del Aconcagua, el pico más elevado de la cordillera de los Andes. El nombre Aconcagua deriva de los términos quechuas Kawa(ver, observar) y Kon(madre de la vida, el mar, el caos, la transformación) y hace referencia al ciclo del agua que va del océano a los glaciares y viceversa. La cuenca del Aconcagua ha sido un tema central de la obra que la artista Cecilia Vicuña ha desarrollado durante toda su vida. En su honor, Marambio había elegido este sitio como lugar de encuentro para la primera conferencia del Instituto Cisneros dedicada al estudio de la relación entre las artes y el medio ambiente en América Latina.

Chile es el único país del mundo en el que el agua está privatizada. Aunque la agenda original de la Cumbre fue organizada de acuerdo a la obra de los artistas y teóricos invitados sobre cuestiones relacionadas con el agua en todo el continente americano, la Cumbre fue coordinada para que coincidiera con las elecciones en Chile —que ofrecían una oportunidad para contemplar el retorno de los derechos del agua al patrimonio común — y, era de esperarse, al agua misma. La inesperada crisis del COVID-19 frenó tanto las elecciones chilenas como la Cumbre Aconcagua. Sin embargo, el tejido conectivo que había crecido entre las participantes demostró ser fuerte. Habían empezado a circular historias, y las preocupaciones y prácticas de cuidado de los cuerpos de agua compartidas llevaron a un ritual improvisado de reparación, o pagamento, que se llevó a cabo en forma virtual el 1 de mayo.

Para cumplir con estos compromisos, y con los objetivos iniciales ligados a su sede, la Cumbre Aconcagua culminará el 28 de septiembre con la proyección del juicio performativo The Water is the Law, inspirado en el Tribunal Internacional de los Derechos de la Naturaleza, en el que cada una de los cuatro académicas chilenas que originalmente iban a actuar como consejeras locales de la Cumbre —la antropóloga Francisca Fernández, la ecologista Bárbara Saavedra, la historiadora del arte Catalina Valdés y la abogada Nancy Yañez— dará un breve testimonio acerca del estado de las aguas chilenas. Esta audiencia interdisciplinaria será presidida por la socióloga argentina Maristella Svampa, quien abordará el caso de estudio chileno ampliando el enfoque hacia el exterior y abriendo la discusión a la situación medioambiental en el resto de América Latina


For millennia, all along the Andes mountain range, people have spoken to each other using a dialogic technique that in Chile is called bailes chinos, a ritual form of call and response through which news is shared, the quotidian is revered, and differences are sorted. Similarly, Confabulaciones will be a dance of call and response between the different participants. Marambio has theorized confabulation as a curatorial tactic that prioritizes oral conversation and invites ethical, more-than-human fabrications of felt experiences as compensation for the memory loss caused by colonial oppressions.

Session One Digna Rabia and Moral Hazard
A conversation between scholar Ignacio Valero and artist Carolina Caycedo, moderated by Camila Marambio
August 11, 2020

In a reexamination of the concept of EcoDomia—a combination of the aesthetic, the social, and the ecological that theorist Ignacio Valero has called “the aesthetic of the commons”—this intergenerational dialogue between Valero and Colombian artist Carolina Caycedo aims to help construct a common oral architecture that envisions what awaits future generations. The conversation will revolve around making art and meaning on the basis of the complex cluster that is feeling-being-body today. It will be grounded in a carnal history tied to Caycedo’s current research on the aesthetic of the first debt titles issued in the Americas, documents that attest to the subjugation of the Black body. The participants in the conversation will reflect on how to halt the splitting of the body understood as territory, as water, as sensuality, as (labor) force, and as monument to enslavement. The exchange will further explore the experiences Caycedo has conceived to entwine human bodies and geographies.

Video in Spanish with English subtitles

Session Two El robo (Theft)
A conversation between artist Maria Thereza Alves and scholar Denise Ferreira da Silva, moderated by Camila Marabio
August 25, 2020

Extractivism is one the main causes of dispossession, exploitation, and even genocide and ecocide of the First Nations of colonized countries. El robo (theft) addresses this issue as seen through the lens of the Brazilian artist Maria Thereza Alves and scholar Denise Ferreira da Silva. Alves, who has devised an aesthetic research practice that “attempts to document as active agents those who are critically engaged with history,” has a longstanding commitment to the community of Mexico’s Xico Valley. Prevented from ecologically sustaining themselves, the Xico community’s struggle was first staged by Alves in a multimedia installation titled The Return of the Lake (2012), in which the artist elaborated upon a critique of the notion of “post-colonization” by investigating how colonial practices are still very much in place. Ferreira da Silva has written extensively on the ethical questions of the global present, and most recently she has begun experimenting with how to release the world from “the procedures and tools that presume that everything that exists or happens is an expression of the human.” Her poethical experiments with the elemental expose how colonial and racial violence is “vital to the accumulation of capital in its various (merchant, industrial and financial) moments.” By pointing to the objectification of personhood that leads to ecocrimes, Alves and Ferreira da Silva share a theorizing of racial power and a politico extractivist model that oppresses the Indigenous, Black, and impoverished communities of the Americas.

Video in English with Spanish subtitles

Session Three La memoria del agua (The Memory of Water)
A conversation between anthropologist Marisol de la Cadena and artist and poet Cecilia Vicuña, moderated by Camila Marambio
September 9, 2020

The final confabulation of this dialogic series, titled La memoria del agua, will consist of an exchange between anthropologist Marisol de la Cadena and artist and poet Cecilia Vicuña. Vicuña’s concept of veroir and de la Cadena’s conceptualization of antropociego (the anthropo-not-seen) undermine the cultural beliefs that only humans speak. Both participants have specialized in similar forms—what de la Cadena terms “disobedient grammar” and what Vicuña calls palabrarmas—that perform the intra-relations between humans, land, language, and water. These oral technologies allow the formation of alliances between environmentalists, Indigenous peoples, and artists questioning modernity’s insistence on the divide between nature and culture.

Video in Spanish with English subtitles

The Water Is the Law is the title of the coda to the Cumbre Aconcagua. For this epilogue four Chileans—ecologist Bárbara Saavedra, anthropologist Francisca Fernandez, art historian Catalina Valdés, and attorney Nancy Yañez were invited to present an argument, as if to an oral tribunal, which would uncover the turbulent history of water management in Chile. Their arguments prompted a response by the Argentinian sociologist Maristella Svampa, who was invited to elaborate on the extremity of this case study, which gave rise to Cumbre. Her closing remarks offer a lucid summary of the environmental politics of Latin America and give a glimpse into the new Pacto Ecosocial del Sur (Ecosocial Pact of the South), with a special emphasis on the role of aesthetics and eco-activist art practices.

The arguments have been compiled into a libretto which can be read and download. We invite you to gather virtually amongst friends or adversaries and read this coda out loud.

Download The Water Is the Law libretto


Cecilia Vicuña is an artist-poet who creates songs, performances, installations, paintings, films, books, lectures, and sculptures. She lives and works in New York and Santiago, Chile.

Maria Thereza Alves is a Brazil-born artist, a cofounder of the Green Party of São Paulo, and a former member of the International Indian Treaty Council.

Carolina Caycedo is a multidisciplinary artist. Her performances, videos, artist’s books, sculptures, and installations examine environmental and social issues. She is a member of the Los Angeles Tenants Union and the Ríos Vivos Colombia Social Movement.


Marisol de la Cadena has worked as an anthropologist in Peru, England, France, and the US. Her most recent is book Earth Beings: Ecologies of Practice Across Andean Worlds (2015), for which she worked with Mariano and Nazario Turpo, Andean runakuna from Cuzco, Peru. With Mario Blaser she co-edited A World of Many Worlds (2018). She currently works on what she calls “cow-forming landscapes and labscapes” in Colombia.

Denise Ferreira da Silva is a Brazilian professor and director of the Social Justice Institute-GRSJ at the University of British Columbia, Canada.

Francisca Fernández Droguett is an anthropologist with an MA in social psychology and a PhD in American studies from the Institute of Advance Studies from Universidad de Santiago de Chile. She is an Andean dancer, a participant in the Movement for Water and Territories, and a member of the Socio-Ambiental Committee Coordinadora Feminista 8 de marzo.

Bárbara Saavedra is an ecologist working in the field of biodiversity conservation. She is project leader of the science-based conservation model Karukinka – Tierra del Fuego and other conservation initiatives in Chile.

Maristella Svampa is an Argentine sociologist, writer, and researcher. She holds a PhD in sociology from École des Hautes Etudes en Sciences Sociales, Paris. She is a senior researcher at CONICET and a titular professor at Universidad Nacional de La Plata, Argentina.

Catalina Valdés holds a PhD in art history from Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales, Paris, and Universidad Nacional de San Martín, Buenos Aires. She is currently conducting independent research in projects about art and nature.

Ignacio Valero is an associate professor of humanities and sciences at California College of the Arts. He has taught and lectured at TU Wien, Goldsmiths, University of London, University of Madrid Carlos III, University of Lisbon, University of the Andes, and Xavier University, Colombia. He holds a PhD from the University of California, Berkeley.

Nancy Yañez holds a BA in judicial and social science from Universidad de Chile, an MA in international law with a mention on indigenous peoples’ rights from Notre Dame University, and a doctorate in law from Universidad de Chile.

Guest curator Camila Marambio is the founder and artistic director of the collective research practice Ensayos. She has a PhD in curatorial practice from Monash University, Australia, an MA in modern art from Columbia University, and a Master of Experiments in Arts and Politics from Sciences Po, Paris.

The Cisneros Institute’s programs are conducted in conjunction with Contemporary and Modern Art Perspectives (C-MAP), MoMA’s global research initiative, which is supported by The International Council of The Museum of Modern Art.

Durante miles de años, a lo largo de la cordillera de los Andes, la gente se ha comunicado utilizando una técnica dialógica que en Chile se denomina bailes chinos, una forma ritual de llamados y respuestas mediante los cuales se comparten noticias, se venera lo cotidiano y se resuelven diferencias. De manera similar, las confabulaciones serán un baile de llamados y respuestas entre los distintos participantes. Marambio ha teorizado sobre la confabulación como táctica curatorial que prioriza la conversación oral y que invita a la invención ética, más que humana, de sentidas experiencias, como compensación por la pérdida de la memoria producida por la opresión colonial.

Primera Parte
Digna Rabia and Moral Hazard
Una conversación entre el teórico Ignacio Valero y la artista Carolina Caycedo, moderada por Camila Marambio
11 de agosto, 2020

Mediante una reevaluación del concepto de EcoDomia—la combinación de lo estético, lo social y lo ecológico que el teórico Ignacio Valero ha denominado “la estética de los comunes”— este diálogo entre Valero y la artista colombiana Carolina Caycedo tiene como objetivo ayudar a construir una arquitectura oral común que contemple lo que les espera a las futuras generaciones. La conversación girará en torno a la creación artística y teórica que trata de ese conjunto complejo que es el sentir-ser-cuerpo hoy en día. Se fundará en una historia carnal ligada a la investigación que realiza Caycedo sobre los primeros títulos de deuda emitidos en el continente americano–documentos que dan testimonio del sometimiento del cuerpo Negro. Los participantes reflexionarán sobre los modos de poner un freno a la escisión del cuerpo entendido como territorio, como agua, como sensualidad, como fuerza (laboral) y como monumento a la esclavitud. El intercambio explorará también las experiencias que Caycedo ha concebido con el objetivo de recomponer un entramado de cuerpos humanos y geografías.

Segunda Parte
El robo
Una conversación entre la artista Maria Thereza Alves y la académica Denise Ferreira da Silva, moderada por Camila Marambio
25 de agosto, 2020

El extractivismo es una de las causas principales del desposeimiento, la explotación y hasta el genocidio y ecocidio de los pueblos originarios de los países colonizados. El robo aborda esta cuestión desde la óptica de la artista brasileña Maria Thereza Alves y la académica Denise Ferreira da Silva. Alves, que ha concebido una práctica de investigación estética que “intenta documentar como agentes activos a quienes están involucrados críticamente con la historia”, tiene un compromiso de larga data con la comunidad Valle de Xico en México. La comunidad de Xico se encuentra impedida para autosustentarse ecológicamente. Alves por primera vez puso en escena la lucha de esta comunidad en una instalación multimedia llamada The Return of the Lake (El regreso de un lago) (2012), en la que la artista realizaba una crítica a la noción de “poscolonización” al investigar cómo las prácticas coloniales siguen vigentes. Ferreira da Silva ha escrito extensamente sobre las cuestiones éticas del presente global y recientemente ha empezado a experimentar en torno a la pregunta sobre cómo liberar al mundo de “procedimientos y herramientas que suponen que todo lo que existe o sucede es una expresión del ser humano”. Sus experimentos poéticos en torno a los elementos naturales exponen de qué modo la violencia colonial y racial es “vital para la acumulación de capital en sus distintas etapas (mercantil, industrial y financiera)”. Al señalar la cosificación de las personas que lleva a los ecocrímenes, Alves y Ferreira da Silva comparten un tratamiento teórico sobre las implicancias raciales del modelo político extractivista, que oprime a las comunidades originarias, Negras y empobrecidas del continente americano.

Tercera Parte
La memoria del agua
Una conversación entre la antropóloga Marisol de la Cadena y la artista y poeta Cecilia Vicuña, moderada por Camila Marambio
9 de septiembre, 2020

La última confabulación de esta serie, La memoria del agua, consistirá en un intercambio entre la antropóloga Marisol de la Cadena y la artista y poeta Cecilia Vicuña. Los conceptos de veroir y de antropociego, acuñados por Vicuña y de la Cadena respectivamente, socavan la creencia cultural de que solo los humanos hablan. Ambas participantes se han especializado en formas similares —lo que de la Cadena llama gramática desobediente y lo que Vicuña llama palabrarmas— que representan las intrarrelaciones entre los seres humanos, la tierra, el lenguaje y el agua. Estas tecnologías orales permiten la formación de alianzas entre ambientalistas, pueblos originarios y artistas que cuestionan la insistencia moderna en la división entre naturaleza y cultura.

The Water Is the Law (El agua es la ley) es el título de la coda de la Cumbre Aconcagua. Para este epílogo cuatro chilenas —la ecologista Bárbara Saavedra, la antropóloga Francisca Fernández, la historiadora del arte Catalina Valdés y la abogada Nancy Yañez— fueron invitadas a presentar un argumento, como frente a un tribunal oral, que revelara la turbulenta historia de la gestión del agua en Chile. Los argumentos expuestos generaron una respuesta por parte de la escritora e investigadora argentina Maristella Svampa, quien fue invitada a analizar en más detalle la situación crítica de este caso de estudio que dio origen a la Cumbre. Sus observaciones finales ofrecen una síntesis lúcida de las políticas ambientales en América Latina y una mirada sobre el nuevo Pacto Ecosocial del Sur, con un énfasis especial en el rol de la estética y de las prácticas del arte ecoactivista.

Los argumentos han sido compilados en un libreto que se puede leer y descargar. Los invitamos a reunirse virtualmente con sus amigos o adversarios para leer esta coda juntos y en voz alta.

Descargar The Water Is the Law libretto


Cecilia Vicuña es una poeta y artista cuya obra incluye canciones, performances, instalaciones, películas, libros, pinturas, conferencias y esculturas. Vive y trabaja en Nueva York y en Santiago, Chile.

Maria Thereza Alves nació en Brasil, es artista, cofundadora del Partido Verde de San Pablo, y fue miembro del Consejo Internacional de Tratados Indios.

Carolina Caycedo es una artista multidisciplinaria. Sus performances, videos, libros de artista, esculturas e instalaciones exploran cuestiones sociales y medioambientales. Es miembro del Sindicato de Inquilinos de Los Ángeles y del Movimiento Social Ríos Vivos Colombia.


Marisol de la Cadena ha trabajado como antropóloga en Perú, Inglaterra, Francia y Estados Unidos. Su libro más reciente es Earth Beings: Ecologies of Practice Across Andean Worlds (2015), en el cual trabajó con Mariano y Nazario Turpo, runakuna andinos de Cuzco, Perú. Co-editó, con Mario Blaser, A World of Many Worlds (2018). Actualmente trabaja en algo que llama “cow-forming landscapes and labscapes”, en Colombia.

Denise Ferreira da Silva es profesora y directora del Instituto de Justicia Social-IGRSJ (Institute for Gender, Race, Sexuality, and Social Justice; Instituto de Género, Raza, Sexualidad y Justicia Social) de la University of British Columbia.

Francisca Fernández Droguett es antropóloga, magíster en Psicología Social y doctora en Estudios Americanos por el Instituto de Estudios Avanzados de la Universidad de Santiago de Chile. Es bailarina de danza andina, miembro del Movimiento por el Agua y los Territorios, y del comité socioambiental de la Coordinadora Feminista 8 de marzo.

Bárbara Saavedra es ecologista y trabaja en el campo de la conservación de la biodiversidad. Lidera el proyecto de conservación con base científica Karukinka-Tierra del Fuego y otras iniciativas de conservación en Chile.

Maristella Svampa es una socióloga, escritora e investigadora argentina. Es doctora en Sociología por la École des hautes études en sciences sociales, París. Es investigadora principal del CONICET y profesora titular en la Universidad Nacional de La Plata, Argentina.

Catalina Valdés es doctora en Historia del Arte por la École des hautes études en sciences sociales, París, y la Universidad Nacional de San Martín, Buenos Aires. Actualmente investiga de forma independiente proyectos sobre arte y naturaleza.

Ignacio Valero es profesor adjunto de Humanidades y Ciencias en la California College for the Arts. Ha dictado clases y conferencias en TU Wien, Goldsmiths, University of London, Universidad Carlos III de Madrid, Universidade de Lisboa, Universidad de los Andes y la Pontificia Universidad Javeriana, Colombia. Es doctor por la University of California, Berkeley.

Nancy Yañez es licenciada en Ciencias Jurídicas y Sociales por la Universidad de Chile, magíster en Derecho Internacional con mención en Derechos de los Pueblos Indígenas por la Notre Dame University, Estados Unidos, y doctora en Derecho por la Universidad de Chile.

Curadora invitada

Camila Marambio es fundadora y directora artística del programa de investigación colectiva Ensayos. Es doctora en Práctica Curatorial por la Monash University, Australia, magíster en Arte Moderno por la Columbia University y magíster en Experimentos en Arte y Política por Sciences Po, París.

The Cisneros Institute’s programs are conducted in conjunction with Contemporary and Modern Art Perspectives (C-MAP), MoMA’s global research initiative, which is supported by The International Council of The Museum of Modern Art.

Los programas del Instituto Cisneros se llevan a cabo en conjunto con Contemporary and Modern Art Perspectives (C-MAP), la iniciativa de investigación global del MoMA, que cuenta con el apoyo de The International Council of The Museum of Modern Art.

Cisneros Institute